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朗诵艺术与交响乐
第八节朗诵艺术与交响乐
说到朗诵艺术与交响乐,就要首先弄清楚什么是朗诵,朗,即声音的清晰。
响亮;诵,即背诵。
朗诵,就是用清晰、响亮的声音,结合各种语言手段来完善地表达作品思想感情的一种语言艺术。
朗诵是口语交际的一种重要形式。
朗诵不仅可以提高阅读能力,增强艺术鉴赏,更为重要的是,通过朗诵,大者可以陶冶性情,开阔胸怀,文明言行,增强理解;小者,可以有效地培养对语言词汇细致入微的体味能力,以及确立口语表述最佳形式的自我鉴别能力。
朗诵,是一门高雅的艺术,是一门“诗意”的艺术。
有人说,诗是人类心灵的最后一道防线。
也有人这样理解:
“诗心”是孕育良知的土壤;是健康人格和美好人生理想的幼苗;是发现美,珍惜美,追求美,创造美的动力。
具备了“诗心”的人,才可能拥有诗意的人生、诗意的生活,才会懂得人的尊严与生命的价值,也才可能在社会现实中救赎自己,救赎人类。
朗读会让人更为厚重和精致。
语言不仅仅是一种工具,它的背后蕴含的是一种文化。
每一种语言都记录着一个民族的兴衰荣辱,表达着一个民族的思维方式,体现着一个民族的精神气质,涵养着一个民族的生存智慧,传承着一个民族的文化血脉。
中华民族五千年流传下来的经典文学语言,蕴藏着本民族最丰富的文化传统和精神财富,倾情朗读这些珍贵而美好的文字,就是在与历代先贤进行高贵的心灵对话,就是在追寻一部浩瀚而优秀的思想历程。
一个经济高速发展的社会、一个锐意创新的民族,如果没有先进和深厚的文化作为根基,脚步是不坚实的。
朗读和朗诵让我们不断回望历史,远离浅薄,走向厚重;朗读和朗诵让我们不断回望文化,远离潦草,走向精致。
网络文化的热潮不仅改变了人们的阅读方式,甚至改变了人们的生活方式和思维方式。
铺天盖地的信息、唾手可得的百科知识、色彩斑斓的文化碎片,让我们可以省略踏破铁鞋无觅处的过程,就能直达得来全不费功夫的结果,就能应接不暇地享受着获取的快感。
于是,人们渐渐适应了花团锦簇蜂蝶绕、百花争向艳阳红的喧嚣,而缺少曲径通幽处,禅房花木深的意趣,缺少踏雪寻梅的雅致和耐心,也缺少了曾经沧海难为水,除却巫山不是云的鉴赏力和感悟力。
正因为朗诵的艺术魅力和抒发胸怀,表达意境和感染人们情绪,激发人们情感的作用,从古至今,那些文人墨客每逢大事喜事要事都聚集在一起,对酒当歌,和着音乐,用高声的吟咏,豪放的诵读,或者抒发忧国忧民,但又无法施展抱负的那种迷茫、彷徨,抑郁、愤懑和直抒胸臆的呐喊。
也正因为朗诵的艺术力,感召力,感染力,每逢有重大喜事的时候,人们都举办各种形式的朗诵会来表达和抒发自己的心情。
建国大典、抗美援朝胜利、两弹一星成功……。
1976年,四人帮被粉碎,全国人民欢欣鼓舞,首都各界举办了盛大的诗歌朗诵会,艺术家们声情并茂地朗诵感染感动了在场所有的观众和收音机旁的亿万听众,著名艺术家们现场表演的郭沫若的《水调歌头粉碎四人帮》,“大快人心事,揪出“四人帮”。
政治流氓、文痞,狗头军师张。
还有精生白骨,自比则天武后,铁帚扫而光……”引起了在场所有观众的共鸣。
一首《周总理办公室的灯光》,“在碧波荡漾的中南海/周总理办公室的灯光呵/闪耀着一个又一个通宵/在出国访问的飞机座舱里/周总理办公室的灯光呵/星星一样闪亮/在巡视祖国的列车上/周总理办公室的灯光/车灯一起赛跑……”让在场所有的观众和收音机旁的听众热泪盈眶。
建国50周年、60周年,抗日战争胜利70周年,人们都用诗歌朗诵会的形式抒发情感,表述意境,许多电视台、大中小学校、企业集团,人们也经常把诗歌朗诵会作为纪念节日,庆祝胜利和对学生员工进行爱国主义和弘扬社会主义核心价值观教育,提升人文素养的重要形式。
诗歌朗诵和朗诵会之所以受到人们的欢迎,不仅有那些包括各种名诗名句在内的朗诵作品的内在魅力,更有配合着朗诵者热情洋溢的音调而配置的优美音乐。
几乎所有的诗朗诵特别是大型诗朗诵会,没有一首朗诵作品不是配乐诗朗诵,文化部举办的每两年一度的“五个一工程”颁奖典礼晚会上,艺术家们歌颂时代,赞美祖国,感染所有观众的高水平的朗诵是在关峡《第一交响曲》的优美音乐背景下进行的;每年一度的教师节,许多院校和教育部门组织的文艺演出,那些美丽的女教师们表达用生命铸造灵魂,用爱心浇灌桃李的韶华赞歌,是伴随着《大漠敦煌》的优美旋律进行的;纪念抗日战争胜利70周年的大型诗朗诵《历史不会忘记》,是在交响乐《红旗颂》波澜壮阔的音乐衬托下进行的。
有了音乐,有了这些优美的背景音乐,特别是有了那些经典的交响乐曲做背景,那些朗诵特别是诗歌朗诵才具有多彩的魅力和极强的感染力。
因为言语与歌唱,朗诵与音乐有着天然的共生性联系,歌曲就是有旋律的诗歌,音乐就是流动的诗歌。
诗歌朗诵只能简单表达人们的情怀,但和音乐结合起来的诗歌朗诵才能真正把情感表达的畅快淋漓,才能真正体现诗歌内在的意境和精髓,通过诗歌朗诵来了解交响乐,了解音乐作品和朗诵作品的结合,才能感受音乐的意境和诗作的情怀,才能深入地感受和理解音乐,才能发现、享受不同艺术形式的和谐之美。
朗诵之所以需要用音乐做背景,特别是需要一些旋律激昂,气势磅礴或者节奏舒缓,风格婉转的交响乐作品做背景,是因为这种诗、乐的结合才能够感受到诗歌作品的意境和精髓,才能感受到声情并茂的艺术魅力。
而且诗歌与音乐作品的结合,才能有效的根据诗歌情绪和音乐风格把握朗诵时的语言节奏,以体现婉转和谐的韵律之美,气势恢宏的豪放旋律之美。
特别是在诗歌的朗诵中,根据不同意境选择不同情绪的音乐作品做背景更为重要。
因为朗诵最多的是诗歌,诗歌是我国文化宝库里的一颗耀眼明珠,是中华民族历史文明的精神支柱,是一种情感的渲泻,是一种意境的表达。
它可以产生美,甚至改变一代人的思想和灵魂。
由古至今,多少诗人作出了令人叹为观止的佳词丽句,多少墨客写下了令人一咏三叹的千古名篇。
正是因为有了诗歌,才有了苏东坡的“大江东去浪淘尽,千古风流人物”中对历史的感慨;才有了王昌龄的“大漠孤烟直,长河落日圆”中战士守边防的悲壮与忧伤;才有了张若虚“众人皆浊我独清,举世皆醉我独醒”韵调优美的千古绝唱;才有了李清照“寻寻觅觅,冷冷清清,凄凄惨惨戚戚”低沉回转的婉约经典;才有了苏东坡月下把酒,声声向苍天发问激情澎湃的豪放情怀。
如何和着那些或清丽空明,或激情澎湃,或婉转低廻,或豪迈高昂,或小桥流水,或波澜壮阔的音乐作品,特别是交响乐作品,将诗人和诗作的意境、情怀进行淋漓尽致的表达,是诗歌朗诵成功的关键。
因此,在进行诗朗诵时,一定要根据诗作的意境和主题选择合适的交响乐曲来表达意境。
如朗诵那些歌颂时代,赞美英雄的诗歌作品,就应该选择吕其明的《红旗颂》、关峡的《第一交响曲》、贝多芬的《命运交响曲》那些节奏强烈,大气磅礴的交响乐曲做背景;朗诵那些回顾历史,具有沧桑的作品,就应选择《大漠敦煌》、《黄河钢琴协奏曲》,贝多芬的《悲怆交响曲》那些节奏舒缓,气势恢宏的交响乐曲;朗诵古典诗歌或诗词,就应选择《梁山伯与祝英台》、《大漠敦煌》、《二泉映月》那些风格婉转,旋律优美的交响乐曲;朗诵青春风采、阳光向上的现代诗作时,就应选择《Thesoundofslicence(寂寞之声)》、《栀子花开》等那些具有青春色彩和校园风格的现代音乐作品。
根据一些艺术家和诗歌朗诵爱好者的推荐,适合为诗朗诵做音乐背景的交响乐曲按表现形式可以分为以下几个类别。
一、庄重严肃,壮观宏大类
1.《红旗颂》
红旗颂是由中国大陆作曲家吕其明创作的交响诗。
该作品于1965年创作并首演成功。
红旗颂以红旗为主题,描绘了1949年10月1日中华人民共和国成立时第一面五星红旗升起的情景.同样,它以宏伟庄严的歌唱性的旋律,表现了中国人民在红旗的指引下,英勇顽强,奋发向上的革命气概,热烈讴歌了伟大祖国蒸蒸日上的繁荣景象。
该乐曲融入了国歌、东方红、和国际歌的旋律。
这是一首赞美革命红旗的颂歌。
乐曲开始,小号奏出以国歌为素材的引子,紧接着,弦乐奏出舒展、优美的颂歌主题,描写一九四九年十月一日,天安门广场升起了第一面五星红旗--新中国诞生了!
人们仰望红旗,心潮澎湃。
乐曲的中间部分,在铿锵有力的三连音节奏进行中,圆号奏出简短有力的曲调,仿佛前进的号角。
接着,颂歌主题变成了豪迈的进行曲,象征着在革命红旗的指引下,中国人民迈开了巨人般的前进步伐。
颂歌主题的再现部分,表现了亿万人民对伟大领袖、伟大祖国和伟大的中国共产党的尽情歌颂。
尾声处号角更加雄伟、嘹亮,形成强劲有力的最高潮,表现了中国人民永远高举红旗,奔向共产主义明天的英雄气概。
整首乐曲气壮山河。
这首交响曲已成为传世的经典之作,许多场合,许多艺术家都用它来作为歌颂时代,赞美祖国,赞美英雄诗歌朗诵的背景音乐。
2.关峡《第一交响曲》
《第一交响序曲》是关峡在2003年12月创作完成的一部大型交响乐作品,取材于歌剧《悲怆的黎明》的音乐。
乐曲的主要旋律用在电视剧《激情燃烧的岁月》的配乐中。
大型民族歌剧《悲怆的黎明》首演于2001年的北京,2003年由中央电视台录制成舞台艺术片播出。
从乐曲的一开始到高潮迭起的中途,从波澜壮阔的高潮到希望和思考无限的曲尾,至始至终地感染着我们。
整个乐曲演奏过程中,如流水一样委婉的钢琴,催人奋进的鼓声,令人深思的大提琴,深情缠绵的木管,激情四射而感人至深的小提琴,这些巧妙地柔合和尽情的表达,都是在细腻地描绘着那一个个催人奋进而激动人心的场景,同时还对寥廓的天宇、潺潺的流水、鸟语花香的美境、令人颤抖的人物抒情等等的细节,也勾画的淋漓尽致而又恰到好处。
在音乐欣赏过程中,仿佛使我们既看到了炮火连天的战争场面,欢呼雀跃的胜利场面,又看到了热血沸腾的人物场面,轰轰烈烈的建设场面,还让我们看到了亲人的团聚、夫妻的重逢、情人的相约,以及巍峨的高山、辽阔的大海、美丽的田野和翩翩起舞的蝴蝶。
乐曲气氛壮观,大气磅礴,充分体现了中国交响乐所能表现出的微妙和壮观,细腻和豪放,宁静和舞动,不失为如今我国交响乐舞台上的精品。
在叙述创作过程时关峡写到:
“我决定投入大量时间和精力来创作这类题材的音乐作品是因为剧中的人物常常使我激动不已。
在作曲的过程中我仿佛和他们共同经历着漫漫人生中所遭遇的种种坎坷,伴随他们固守着那份纯真的情感走向了崇高,开启了我尘封已久的记忆,让我找回了一些看似无足轻重,然而却是十分珍贵的东西……。
”
《第一交响序曲》充分运用人性化的音乐表达方式,注重表现人的心灵及情感诉求,作曲家调动管弦乐手段营造出厚重的情感氛围,力求在内容和形式的结合上达到高度统一,满足当代听众听觉和心理上的审美需求。
乐曲满怀激青地颂扬了改写中国历史进程的、无怨无悔奉献人生的老一辈特殊群体,并结合当代民众心态升华出昂扬向上的时代精神。
2002年关峡将序曲音乐用到电视剧《激情燃烧的岁月》的配乐中。
他说:
“这是由于电视剧《激情燃烧的岁月》和歌剧《悲怆的黎明》这两部作品在挖掘那一代人心灵层面的崇高美,表现普通人身上所蕴含的英雄主义和理想主义的情怀及其深层表达方面有着异曲同工之妙。
”
3.《黄河》钢琴协奏曲
《黄河》钢琴协奏曲取材于抗日战争时期的救亡歌曲《黄河大合唱》,1969年由殷承宗、储望华、刘庄、盛礼洪、石叔诚和许斐星六人改编为协奏曲;这部钢琴协奏曲在创作中运用了西洋古典钢琴协奏曲的表现手法,在曲式结构上又融了入船夫号子等中国民间传统音乐元素,不仅在当时的国内引起了强烈的反响,还因为其史诗的结构、华丽的技巧、丰富的层次和壮阔的意境,成为世界音乐史上最为著名的一首中国协奏曲。
1970年5月1日,钢琴协奏曲《黄河》在北京民族文化宫正式公演。
节目安排是先演钢琴伴唱《红灯记》。
由于长期劳累忙于创作和演出,殷承宗在弹《红灯记》时扭伤了腰动弹不了,但他咬着牙坚持到底,弹完后被立即送往附近医院。
医生为他紧急处理,打针加绷带,再赶回文化宫演出《黄河》。
剧场备了一张靠背椅,以防他万一倒下去。
在这种状况下完成了钢琴协奏曲《黄河》首次公演。
1971年,殷承宗随中央芭蕾舞剧团出访欧洲六国,演出舞剧《白毛女》和《红色娘子军》,每场演出前都加演钢琴协奏曲《黄河》。
这是钢琴协奏曲《黄河》第一次在国外演出。
1973年9月,指挥大师尤金·奥曼第带了美国费城管弦乐团来华指挥演出《黄河》,由殷承宗独奏;这是钢琴协奏曲《黄河》第一次由国外乐团演出。
之后,有更多的国外乐团演出钢琴协奏曲《黄河》,包括正当盛年的指挥大师阿巴多与维也纳交响乐团的来华访问演出。
钢琴协奏曲《黄河》的录音版本很多,目前有比较公认的最优秀的版本主要有1990年殷承宗和捷克广播交响乐团合作,艾德里安·利帕指挥,香港马可·波罗公司出品;1974年,爱泼斯坦〈美〉与美国费城管弦乐团合作,指挥大师尤金·奥曼迪指挥,美国RCA唱片公司出品;2007年,我国著名青年钢琴演奏家郎朗与中国爱乐乐团合作了这部钢琴协奏曲(DG唱片公司)。
这部经典作品是进行严肃题材作品朗诵极佳的背景音乐,
4.贝多芬《命运交响曲》
贝多芬的作品集古典音乐之大成,开浪漫主义音乐之先声。
他比任何前辈都更鲜明地揭示:
音乐的力量可以不借助语言文字而传达一种人生哲学。
他通过自己的音乐语言,倾诉了欧洲人民在封建专制桎梏下的苦难境遇,信守自己提出的“人民艺术家的作品,应当为穷苦人们服务”的信条,讴歌了广大人民群众反抗专制统治和外敌侵略的英勇斗争。
他主张“应给世界以和平和完善的法律,不要再进行侵略”,音乐“要表现外界和内部的和平”。
在音乐形式方面,他开拓了奏鸣曲、交响曲、协奏曲和四重奏的范围。
他最伟大的成就之一,就是提高了音乐的地位:
音乐在18世纪曾被认为是低于文学和绘画的艺术;在他之后,再也不能说音乐只不过是“悦耳的艺术”了。
然而,更令参观者感动而铭心难忘的还是贝多芬战胜耳聋、成为乐圣的惊人毅力。
他年轻时患有耳疾,32岁时加重,49岁时完全失去听觉。
这对一位音乐家来说,无疑是致命的打击。
他曾闪现过自杀的念头,写下了著名的《海利根遗嘱》,但发自内心的艺术家责任感的呼唤使他醒悟:
“不能什么都没有创作就离开这个世界。
”他决心向厄运挑战,“要扼住命运的咽喉”。
于是,他以水滴石穿的坚强意志,在耳聋条件下,全凭记忆和乐感作曲和演奏,写成了《命运交响曲》。
《命运交响曲》原名《第五交响曲》,它是一部哲理性很强的作品,也是最能代表贝多芬艺术风格的作品。
《命运交响曲》结构严谨,手法简练,形象生动,各乐章之间具有十分清晰的内在联系。
整部作品情绪激昂、气魄宏大,富有强烈的艺术感染力。
贝多芬的这部作品,开始的四个音符刚劲沉重,仿佛命运敲门的声音,因此被称作命运交响曲。
舒曼认为:
“尽管你时常听到这部交响曲,但它对你总是有一股不变的威力——正象自然界的现象虽然时时发生,却总教人感到惊恐一样。
”1830年五、六月间,门德尔松在魏玛逗留了两星期,和歌德作最后一次会晤,在钢琴上为他演奏了古今著名的作品。
歌德听了《命运交响曲》的第一乐章后大为激动,他说:
“这是壮丽宏伟、惊心动魄的,简直要把房子震坍了。
如果许多人一起演奏,还不知道会怎么样呢。
”1841年3月,恩格斯听了《命运交响曲》的演出。
他在写给妹妹的信中赞美这部作品说:
“如果你不知道这奇妙的东西,那么你一生就算什么也没有听见。
”他说,他在第一乐章里听到了“那种完全的绝望的悲哀,那种忧伤的痛苦”;在第二乐章里听到了“那种爱情的温柔的忧思”;而第三、第四乐章里“用小号表达出来的强劲有力、年轻的、自由的欢乐”,又是那么鼓舞人心。
恩格斯用短短的几句话,揭示了《命运交响曲》的精髓。
这部不朽的经典之作,理所当然的被许多人作为诗歌和诗词朗诵的极佳音乐背景和影视剧作的主题音乐。
5.贝多芬《第九交响曲》
贝多芬《第九交响曲》由德国作曲家路德维希·凡·贝多芬创作于1823年的一部大型四乐章交响曲,因其第四乐章加入了大型合唱,故后人称之为“合唱交响曲”。
首演于1824年5月7日的维也纳凯伦特纳托尔剧院。
这部交响乐构思广阔,思想深刻,形象丰富多样,它扩大了交响乐的规模和范围,超出了当时的体裁和规范,变成由交响乐队、合唱队和独唱、重唱所表演的一部宏伟而充满哲理性和英雄性的壮丽颂歌。
贝多芬通过这部作品表达了人类寻求自由的斗争意志,并坚信这个斗争最后一定以人类的胜利而告终,人类必将获得欢乐和团结友爱。
从作品的酝酿到完成,第九交响曲倾尽了贝多芬数十年的心血,是其音乐生涯的登峰造极之作。
全曲从头至尾的演奏时间至少需要一个小时以上,但并无任何冗长拖沓之感。
《第九交响曲》的首演充满了坎坷。
贝多芬的音乐风格在当时的维也纳受到了罗西尼和意大利歌剧的强大冲击,有些人甚至攻击贝多芬的音乐已经过时。
面对这种状况,贝多芬忧伤受辱,将去伦敦定居,并想在那儿演出《第九交响曲》。
这时候维也纳听众熬不住了,反而又强烈的呼吁《第九交响曲》应该在维也纳首演,很多人联名写信给作曲家要求他留在维也纳,信中充满了真切的感情。
贝多芬为此回心转意,开始筹划作品在维也纳的首次演出。
《贝多芬第九交响曲》以其严谨深刻的思想、永恒神圣的热情、无与伦比的力量和伟大高尚的心灵,赢得全体听众的心,《贝多芬第九交响曲》急速雄壮的旋律,伴随《欢乐颂》激情澎湃的唱词,唱出了人们对自由、平等、博爱精神的热望。
当然贝多芬并没有照搬席勒的原诗,而是以自己独到的理念,配合音乐的需要做了一定的删节和修改。
在激动人心的歌词和贝多芬超人般旋律的相互烘托下,在四个不同声部人声的独唱、重唱以及大合唱团的合唱下,《欢乐颂》得到了升华,欣赏的人们得到的是无与伦比的奋进力量和精神支柱。
乐章的最后,这种气氛被表现到了极致,整部作品在无比光明、无比辉煌的情景下结束。
首演取得了令人震惊的成功。
听众沸腾了,欢呼、兴奋、不能自已,许多人流下了热泪。
起初贝多芬在指挥台旁,背向听众,因耳朵早已失去听觉,对身后沸腾的场面毫无察觉,当女中音独唱演员把他扶转过来时,他才发现这激动人心的场面,大受感动,频频致意。
谢幕五次仍掌声如雷,激动的人们不能平静。
这早已超过了当时的皇帝到场只准三次鼓掌欢呼的标准,以致警察不得不出面干涉。
而作曲家本人却被这超乎寻常的热情场面激动得晕厥过去,一度不省人事……
如今距离1824年的首演盛况,已经过去近两百年了,但是贝多芬的《第九交响曲》和《欢乐颂》却成为了长盛不衰的经典作品。
在这两百年岁月中,几乎所有的后辈音乐家、作曲家都被这部宏伟的作品所倾倒;更有无数业余的听众被这部作品所带来的音乐哲理、音乐气度所感染!
因为这部作品,贝多芬成了神一样的人物,《欢乐颂》成为了人类历史长河中永远不灭的自由、和平之明灯。
6.德沃夏克《新世界交响曲》
《新世界交响曲》由捷克作曲家安东·德沃夏克创作于1893年,是他最重要、最有价值的一部作品,同时也是世界交响音乐宝库中的珍品之一。
首演于1893年12月的纽约,在《新世界交响曲》中,德沃夏克运用了大量的黑人音乐素材,又溶入了他的波希米亚情结和斯拉夫音韵。
纯朴的五声音阶、独特的切分节奏使《新世界交响曲》充溢着浓郁的异国情调,有着丰富、强烈、新奇的斑斓色彩。
《新世界交响曲》的创作源于德沃夏克在美国时对自己故乡的思乡之情,他于1892年来到纽约,当时,美国工商业以及金融业已经得到了极大发展,纽约又是这个帝国的中心。
车水马龙的街道,彻夜通明的灯光,鳞次栉比的金融机构,都在向初来美国的德沃夏克证明,这是一个繁华的欲望都市。
而这一切与德沃夏克生活的布拉格形成了强烈的反差激发了他的创作灵感被。
到美国后三个月,德沃夏克开始着手创作一部新的交响曲,在此之前他已经有八部交响曲,但美国音乐界的朋友们热切地希望德沃夏克写一部能代表美国精神的作品。
美国历史很短,不像欧洲那样有着深厚的文化根基,尤其是在音乐上,美国更是乏善可陈,所以美国人也非常期待一部产生在这片大陆上的作品。
《新世界交响曲》一直被认为是融合了很多美国音乐元素的交响曲,但作曲家认为是对家乡的回忆。
作品当中包含着许多捷克民族的旋律,也存在着德沃夏克以前作品中没有的新的音乐语言。
这些语言使这部交响曲显得激动,仿佛是被新鲜事物引起的兴奋,但它有时表现出的浓郁的忧伤,又像是沉浸在对故乡的思念之中,包含着多少乡愁。
7.电影《时光倒流70年》主题曲
电影《时光倒流70年》的主题曲《somewhereintime》(似曾相识)最终和本片一样成为了经典,它的完整题名为《帕格尼尼主题狂想曲》,是一支温柔多情、缠绵悱恻的钢琴协奏曲。
此曲是俄罗斯作曲家拉赫·马尼诺夫于1934年完成的一首钢琴与管弦乐作品,取材于一百多年前意大利小提琴家帕格尼尼的《24首小提琴随想曲》,利用其中第24首随想曲的音乐主题。
这首乐曲被导演拿来作为一件重要的音乐道具,起到了跨越时空、在男女主人公之间沟通心灵的作用。
《帕格尼尼主题狂想曲》乐章的钢琴与乐队曲,技巧复杂精深、气势辉煌,成为十九世纪浪漫主义音乐炫技一派的绝响。
激情,浪漫的《帕格尼尼主题狂想曲》代表了男女主人公冲破时空的重重阻碍坚忍不拔的爱情,它是浪漫的,炽热的!
在这一方面,虽然它在影片中所占的篇幅不如主题曲,但却是影片的精髓所在!
没有这昂扬的乐声就等于缺少了爱情那勃勃的生机和力量!
也就不可能使得电影如此感人!
人生若只如初见,何事西风悲画扇!
生命可以因为时间而逝去,爱情却由此而永恒!
有情人最终在天堂相见了,故事也到此为止,它的主题又何尝不是《帕格尼尼主题狂想曲》那激昂振奋主题的延伸?
《帕格尼尼主题狂想曲》创作之时世界乐坛正在发生着很大的变化,传统的调性体系、曲式、节奏等惯用的音乐法则被抛弃,代之而起的是流派纷呈的“新音乐”,无调性音乐、表现主义、后浪漫主义、新古典主义、十二音列等等相继出现,“求异响于新声”是欧美音乐的时代潮流,而拉赫玛尼诺夫不为所动,仍然在十九世纪的风格和形式里寻求个性的表现。
帕格尼尼这位小提琴魔鬼被许多人描绘成炫技能手,看不到他的辉煌技巧给浪漫派带来的风格上的影响,这不但低估了帕格尼尼的艺术价值,也是对浪漫主义艺术本质的忽略。
浪漫主义是一种不受拘束和无穷无尽的美,浪漫音乐最突出的特点是狂热的主观表现。
音乐家表现狂放无羁的感情世界,必须有炉火纯青的技巧为依托,才能进入横无际涯的艺术境界。
有一件趣闻说明的正是这个问题,有一次,一位提琴手拿着乐谱去找贝多芬,提出某些小提琴部分的音乐太难,不好演奏,请作曲家修改一下,贝多芬却说:
“当上帝唤醒我的时候,你以为我还会去考虑你那倒霉的提琴吗?
”
帕格尼尼精妙绝伦的演奏技巧和火热的演奏风格正是浪漫派作曲家渴求的境界,激发了许多音乐家的热情,追随效法者甚众。
他们一方面在技巧和演奏风格上提高精进,另一方面直接从帕格尼尼的音乐里获取灵感,把他的作品改编成其它乐器的独奏曲,或者是以他的音乐主题为素材创作出自己的音乐。
在大量的改编曲里,最著名的当然还是几位大作曲家的手笔,其中包括舒曼、勃拉姆斯、李斯特、拉赫玛尼诺夫,作为音乐会曲目至今还频繁演出的当推拉赫玛尼诺夫的这首《帕格尼尼主题狂想曲》。
8.电影《阿甘正传》主题曲
《阿甘正传》的电影音乐专辑唱片的制作人罗伯特·加美克斯、乔·西尔和格兰.布鲁曼,在研究了各个时期的音乐后,从成千上万首歌曲中选出了31首,而后又请作曲家艾伦.西尔维斯蒂谱写了《阿甘组曲》,合起来,就是影片中所有的音乐,也是唱片的全部内容。
但影片中还有许多歌曲,远远不止这37首,有的只是一闪而过,有的歌曲则是从影片中的电视和电台中放出……等等。
而且导演在对这些歌曲在片中出现的时间地点处理的非常巧妙。
不过要在这里强调的是,里面任何一首歌曲,更多的是满足电影的需要
《阿甘正传》通过描写主人公ForrestGump神奇的个人生活历程,展现了美国二战后的历史发展。
《阿甘正传》的插曲不但使三种插曲方法各有作用,而且,整个影片的插曲既非常适当地参与了叙事,又对表现美国的人文历史起到了重要作用。
开头整段音乐的影子渐起,小提琴的单音给人一种很空灵的感觉,画面中的那个羽毛处在茫茫的高空,似乎就要落下又似乎不会落下。
钢琴渐渐奏出了主旋律,很轻,但有中浅浅的力量的推动着旋律的进行,也推动着画面中这根羽毛的运动轨迹。
羽毛随风飘浮,有时被风狠狠地吹向天空,有时又轻盈的落下,谁也不知道它终究会飞向哪,就像生活在这世上的每一个生命一样,生命就像这根羽毛很脆弱,因为会被外界控制着飘动的方向,但也很坚强,因为无论是迎风还是逆
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