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古希腊的素描:
初期很重视轮廓线的表现力,有独特的质朴之美。
而后逐渐摆脱东方影响,人物比例真实,但用线比较生硬。
直到公元前五到四世纪时写实风才达到成熟。
其面貌可以从古希腊瓶画中得到展现。
造型严谨、情态生动、线条简练,写实风格与装饰风格相互有机结合。
古罗马继承了古希腊的文化艺术。
意大利文艺复兴标志着西方素描走向成熟。
十五世纪至十六世纪欧洲最先进的国家——意大利,随着资本主义生产方式的萌芽与建立。
意识形态也随之转变。
人文主义的反封建世界观冲击了中世纪的禁欲主义。
要求文艺面向人生、研究自然,从表现神转化为表现人、表现自然。
同时崇拜古希腊、古罗马的文化艺术的怀古幽情导致了古典艺术观的复兴。
素描也随之出现突飞猛进的发展并趋于成熟,进而确立了欧洲素描风格的主调。
自此素描已成为一种独立的绘画形式并日益受到人们的重视。
也因此出现了一大批专以素描见长的画家。
许多艺术大师不仅是伟大的油画家、雕刻家。
而且也是杰出的素描画家。
如被誉为文艺复兴三灰的达·
芬奇、米开朗基罗、拉斐尔。
达·
芬奇的素描具有深厚、典雅的风格,他能熟练地运用明暗、解剖结构、空间透视等规律使形象和谐统一。
他笔下的形象表情丰富、刻画细致、意匠巧妙,代表了文艺复兴时期素描艺术的最高成就。
米开朗基罗是一位激情洋溢、强烈地追求个性与风格的素描巨匠。
他的作品以力的美感展现给们。
他素描手法多变,用线简练有力。
善于表现(达)人体结构和运动,以剧烈的动势、健美的体态,圆中显方的肌肉体块和纯熟的艺术技巧,使不少素描作品成为完整的艺术珍品。
拉斐尔留下数量可观的素描习作,成为名符其实的素描大师。
他的素描手法灵活生动,刻画精微。
笔下的人物既尊重自然又强调理想化。
既有着米开朗基罗那种结实的雕塑感,又有较达·
芬奇更为优美更具刚中带柔的妩媚。
随着思想的解放,科学的进步,艺术家在实践的基础上对透视、解剖、构图等方面,作出了验证和解释,使之成为独立的学科,为现实主义造型艺术奠定了理论基础和科学的研究方法。
文艺复兴的春风吹醒了德国艺术,促成了不少素描大师,其中以丢勒和贺尔拜因最为出色:
丢勒的素描重视客观、强调结构,以极冷静严密的态度作出犀利的表现。
他的肖像力求形体准确、笔法细致、感情真挚、性格鲜明,他的素描作品至今仍是世界素描教学的典范。
小贺尔拜因是老贺尔拜因的儿子,他的素描肖像手法洗练。
用线立准确有力,形象生动传神,并具有装饰味。
意大利的波伦亚美术学院为了恢复文艺复兴盛期的传统而崇尚古希腊、古罗马的古典艺术,后来发展成绝对化、规范化,以至完全抛弃了文艺复兴时期重自然、研究自然、极其重视写生的传统。
形成一种僵死的、概念的、公式化的“学院派”素描体系。
造成了艺术的倒退,十八世纪意大利艺术终于走向衰落。
十七世纪十半叶开始,欧洲艺术中心逐渐转向法国。
法国绘画艺术追求一切自然的美——肉体美,生活情趣美,树木、山峦与河流的诗意美。
这种艺术称为“巴洛克”艺术,这个时代被称为巴洛克时代。
这个时代的素描如普桑、华托、拉图尔、夏尔丹、大卫、安格尔、普吕东、席里柯等。
这一时期的素描特点是多以明暗来造型。
偏爱形象的逼真和强有力的造型的效果。
十九世纪法国素描产生了观念性的变革,学院派教学受到浪漫主义画派、现实主义画派以及印象画派的先后冲击,由此出现了法国艺术的丰富创造性。
浪漫主义的代表人物德拉克洛丸,反对学院派外表的细致“真实”,追求“内在的真实”。
他的素描注重构图的气势,强调夸张与对比,重视意境的创造。
为探索新技法而不择手段。
现实主义代表人物库尔贝,反对学院派因袭虚伪的艺术。
坚持以生活真实为创作依据,法国大革命后涌现出一批现实主义画家:
柯罗、米勒、杜米埃也为表现生活真实的美和时代特征创作了许多素描杰作。
印象主义主张素描是视觉印象和自我感觉的反映,他们只注重形象的感受和气氛。
仅记录光的印象或作试探形式的辅助手段,而不重视自然形态的刻画,莫奈的素描用笔随意,注重光色与空气的表现。
马奈、德加是印象派最善素描的画家,他常从不寻常的角度速写瞬间动态,笔法轻快流畅,形体结构准确、自然。
后期印象主义在素描中苦心探索心灵中的真实,探究艺术的形式美。
塞尚非常注重素描的形态,将对象凝结成几何形,使其坚实有力。
高更在素描中把一切形体回归于原始,凡高则更是以原始的芦苇笔,用点与线去表现狂乱幻觉中的激情。
新印象派的创始人修拉的素描则彻底抛弃轮廓线,用单一的明暗调子造型,具有强烈的装饰感,空间感和抒情意境,表现技法独创一格。
雕刻家罗丹的素描常以速写表现人体运动,注重写意和整体气韵的连贯,用笔简练,手法奔放、轮廓准确、形象抒情又充实。
十九世纪德国出现两位素描大师,对中国影响较深,一位是门采尔,另一位是柯勒惠支。
门采尔创作了数以千计的素描,刻画细致、生动自如,技巧全面、精湛,形象真实动人。
这一时期欧洲出现的种种画派,对各国美术教育产生了积极的影响,但也起了消极的作用,素描教学开始从写生入手,重视对自然生活的研究,这是进步的一面。
但是有的派别却否定写实的传统。
只注重视觉印象和主观表现,这又是片面的一面。
然而,也有不少画家坚持写实的传统,在素描教学上不断探索并创建新的学派和体系。
俄国契斯恰柯夫的素描教学体系,制定了完整的训练程序、方法和要求,主张从实物写生为基础,强调整体画法,将解剖、透视融贯于素描全过程,发展了文艺复兴以来所提倡的写实传统。
但过份强调以静止的直接写生和长期作业,忽视了动态造型和视觉记忆的提高。
尽管如此,契氏体系仍为当时俄国现实主义画家打下了扎实的造型基础,造就了象列宾、苏里柯夫、谢罗夫、伏鲁贝尔等一批卓越的素描大师,这一体系至今仍对我国的美术教育有着很大的影响。
与其他绘画形式一样,二十世纪的西方素描流派纷呈而交替迅速,他们的共同点就是都建立在传统观念的基础之上,不同点却是各自显示出了建立在反传统基础上的新观念,我们将二十世纪西方素描通称为现代派素描。
马蒂斯是法国画家,野鲁派的代表人物,他受后期印象派影响,并吸取波斯绘画和东方民间艺术的形式,形成“综合的单纯化”画风,他主张画家具有精神上的单纯朴素,认为无论是色彩还是线条,越是单纯,对情感的影响越强烈。
他的钢笔画正体现了这一主张,线条单纯而单调,儿童般的轻松自如,从容而不潦草。
画面构成注重主观情感表现,构图饱满,夸张与装饰化的表现。
毕加索是西班牙画家,现代艺术的创始人,早期画风景写实、人物刻画精细,后来成为立体主义,超现实主义等流派的代表人物,他主张画家应创造抽象的形来表现“科学的真实”。
彻底打破传统的画法(即只能画出三个而)而力图同时表现立体的六个面。
康定斯基是俄国人,定居在德国。
他是画家、哲学家。
他不属于任何流派,然而他的理论却指导着现代艺术运动的发展。
他提出“所谓素描是不破坏本质的内在生命,这种素描与解剖学、植物学和其他知识有无矛盾无关重要,问题是在于它是否破坏外在视觉的谐”,试图反抗科学与自然真实,在绘画上表现音乐感和旋律节奏。
克利与毕加索、康写斯基齐名,称为现代三位伟大的独特画家,克利是瑞士人,后定居德国。
他在理论和实践方面都为美学基础作出了一定的贡献。
他认为:
“艺术并不描绘可见的东西,而是把不可见的东西创造出来。
”他的理论反映了当时素描的面貌:
有意追求粗野、狂乱,表现未加工的效果,以真实的变态的组合来创造真实的怪诞世界。
以重复的紧张节奏去表达大战后的恐怖绝望心理。
本世纪以来,艺术运动变化频繁,绘画从来不象今天这样活跃,素描也从来没有这样丰富多彩,尽管素描(及绘画)的表现形式五花八门,变化多样,但不外于三条路;
一是具象素描在继续发展;
二是抽象素描发展还在继续;
三是具象与抽象相结合的绘画(指素描)在探索中前进。
任何一种艺术思想(思潮)都会自行消灭,任何画派最终都会汇集到一种或两种“艺术体裁”上去,未来由自己去作出选择。
素描的教与学(教授法)
注重艺术感知的直觉:
艺术的感知与直觉是包括了感与知两个方面的最初结合,它有难得的全面性和可靠性,纯理性的描绘,虽然“正确”,但是易流于机械,因而并非真实,唯有感与知结合并把这种感知结合的直觉贯穿始终,才能真正接受真实而获得满意的效果。
注意艺术直觉与基本技法的统一,如果我们一开始就把学生当成未来艺术家加以培养,那么应给予学生以思辨、感知与技法的全面训练,使学生在低年级有好的开端,到高年级有个好的发展。
(要长期与短期作业相结合)
在素描基础训练中会存在大量的技术问题,它要求学生在训练中除激情外,还需要理智、冷静的分析与综合,必须养成严格的学风,学生中形形色色的错误和认识不当的习惯,自然会在素描课中首先暴露出来,它们不仅给基础训练带来障碍,也会影响今后的自身发展,因此,在训练中严格把关十分重要。
具象写生练习是我国素描教学的主体内容,重视扎实的写实功夫训练,强调结构、形神兼备。
强调整体的思维方法:
“整体”是素描教学的基本原则。
它即体现在作画过程中的始与终。
又体现在素描的全过程。
对每一课题的训练、应把整体摆在研究造型法则的首位。
把握整体是揭示对象本质的重要手段,也是克服认识偏颇的关键。
张调落幅前对“第一印象”的捕捉,坚持描绘过程中的“整体——局部——整体”的表现,重视结束阶段的大体调整,恢复“第一印象”是完成素描的头等大事。
在素描教学的程序上也要体现服从整体的原则,素描基础训练的最终课题是全身人物写生,为了明确一切人物局部都是为达到这个整体的目的,要求学生多画速写,注意训练相应的整体关系。
加强结构训练:
树立牢固的结构概念,训练捕捉结构的能力,是素描训练的重要环节。
结构,是一切造型形式因素的基础,是点、线、面、体、空间、色调等因素的组合变化的依据。
作为以线为主要手段的结构素描是以研究形体的结构为中心的,以色调为主要手段明暗素描也同样强调对结构的正确表达。
为了加强对结构的理解和掌握,在训练中多以中短期作业方式作画,多画纯结构素描,甚至完全避开光的影响,同时也要多临摹,默写及创作性的练习,都是行之有效的措施。
针对一幅习作而方,强调结构,应用适当的夸张手法使结构更明确、肯定,从而更易取得强烈的艺术效果。
然而,这种处理必须在整体的严格制约之下进行,否则就是舍车逐末。
①不同素描形式的结合;
②长短期作业的结合;
③写生、默写、想象、临摹相结合;
④多看、多想、多问、多练、多记、多实践。
这很重要。
素描的观察方法:
“素描画的不仅是形体,而更重要的是对形体的观察”。
素描大师德加在这里揭示了一个观念问题:
素描不只是表现形体,更重要的是表现对形体的看法。
观察的基本原则:
尊重对象、感觉对象、想象对象。
它的基本方法是整体。
画家观察事物是从整体出发,首先看对象的全貌,然后是看主要部分,再是看局部和细节,但随时注意大体,看到新的整体。
一般人作画则首先看到对象细节,以后仍是看到别的细节,最后还是一堆支离破碎的局部。
整体、比较、综合概括、目测法:
素描的基本程序:
整体——局部——整体,即从整体出发,先画整体后画局部,最后回归整体。
首先把对象(单个或组合物体)当作一个整体来画,而不是一个物体一个物体地画,更不是一个部分一个部分地画,画局部时不光注意局部,同时也注意整体,画局部的实质也是画整体,也是为了整体。
不断调整的全部过程都在画整体。
“整体——局部——整体”多次反复,一次比一次深入,一次比一次更整体,最后塑造出一个高度概括、完整的艺术形象。
这点在教学中非常重要,甚至有人画了一辈子画还没有掌握好画面的整体关系!
先大后小·
先长后短·
先直后曲·
先方后圆·
先轻后重
①先大后小:
指塑造形体块面要先概括后充实。
先画大体后画局部,先画大的形体后画小的形体,先画大面后画小面,即看全局,整体入手。
②先长后短:
打轮廓用线,要先用长直线勾画大体轮廓,后用较短的直线勾画具体轮廓,内轮廓与外轮廓相互照应,这仍然是从大体着眼。
③先直后曲:
曲线要先概括成直线勾画,复杂的曲线也当成拆线来画,逐渐形成曲线感觉。
注意,是在深入刻画过程中逐渐形成,仍是大体。
④先方后圆:
圆形或圆面体的塑造,先简化成多边形或多面体,再逐渐丰富块面关系,最后塑造出接近圆形或圆面体,仍是大体着手。
⑤先轻后重:
指的是着画时要先用轻线,画面感觉轻松而且便于调整改动,铺色调也要先画轻淡些,后逐渐加深,为画面最后效果留有余地。
明暗素描法:
(概念)
即用明暗色调来塑造形体。
它的主要特征是注重明暗、体积、空间的表现。
明暗素描也重视结构的表现,但它不是表现结构本身,而是表现受光照制约的形体变化。
主要表现方法有两种:
①整体塑造法:
凭画者的感觉,运用明暗色调去塑造对象的整体结构,特征和气质等,注重体积却不追求块面效果。
②块面塑造法:
注重立体观察对象,分析对象的形体结构,最大限度地概括成由几个面组成的基本形体,并用不同色调表现出这些面的位置变化。
随着刻画的深入,形体结构进一步具体化、块面也逐渐增加,最后塑造出丰富生动的形体起伏。
这个过程象搞雕塑。
先切出形体大面(初坯),然后切出小面,由方到圆,由简到繁逐步深入。
色调深入过程,调子由轻到重,形象由概括、模糊到清晰,具体。
块面色调可用线条的排列组成,也可运用抹、擦法或用大笔触来表现,还可将上述各法结合起来表现。
线描画法:
纯以单色线条进行选型。
主要特征是注重形象结构的表现和线在平面上的构成,不强调体积、空间的表现。
(线条即容体的抽象)
线描有两种造形观:
①西方线描重写实,重形体比例准确,重直观感受。
②东方线描即白描,重意象、重默记、重线条本身的力与美。
然而,上述区别也不是绝对的,它们在相互渗透、互相影响中变化发展着。
安格尔与李公麟、马蒂斯与梁楷的线都是有异曲同工之妙,线描法强化形体结构,用线提练出形象的结构、明确勾出内轮廓线与外轮廓线。
结构素描法:
以结构为中心,以线为主要表现手段,线面结合的造型方式。
主要特征是强调结构和线。
从作画开始到结束,是一个注重对象结构观察,分析和综合表现的过程。
落笔之前从大处着眼,把握对象的大感觉,大结构关系;
接着冷静地分析其内部的结构、构造,即基本形体的组织、穿插、衔接关系,看到普通人所看不到的东西;
在充分分析的基础上,恢复到常人所见的面貌。
用线要强调形体结构。
一般在大关系、形体的主要部位,形体转折点上,体块的起迄处,用线都要明确肯定。
强调、突出,多用实线。
其他部位则应减弱或含蓄,常用虚线。
在整体上用线一般多用长线,少用短线。
长直线勾画大形可突出主体,短线易琐碎而影响整体效果。
运用前实后虚,前粗后细,前重后轻的线条变化加强空间关系。
利用虚实,直曲不同线条的特性来处理不同物质和形体特征的对比关系。
在一幅画中多用直线或多用曲线,多用粗线或多用细线,以展示作品某种整体上的特征倾向和风格,注重(意)轮廓线上的诸转折点,即因结构位置不同所显示出的丰富变化,没有这些点的变化,结构就会空洞,线会显得无力。
色调是皴、擦、染表现出来的阴影,不等于自然对象中的光景变化,只起着加强形体结构,给绘画增添韵味的作用——光源位置可变、光影可变,但形体结构不变,这就是我们要表现的结构素描的实质所在。
讲究内在。
一切为了造型,而不为别的。
结构素描有别于调子素描关键在于此!
(调子素描是注重表现光与影的光照结果)。
素描表现中的艺术处理:
(1)观察时注意抓住个人对事物的直接感受,同时作出综合概括,获得对象的整体认识。
(2)构图和表现,原则是对立统一或称多样统一。
(3)画面处理的基本手法是取舍、夸张、强化对比。
对比的因素有:
形体的大小、长短、宽窄、方圆、繁简;
明暗的浓淡、强弱;
质感的粗糙与细腻、硬与软、透明与不透明;
量感的轻重;
动与静、强与弱、起伏、张驰、快慢;
线条的长短、粗细、曲直、刚柔、浓淡、横竖、疏密;
点的大小,聚散;
面的大小,向背;
色调的轻重,冷暖等。
(4)造型要提炼概括。
运用艺术的筛选、取舍、夸张与强化对比等手法,使形象更鲜明、更简括、更强烈。
(5)在表现意识上要做到“宁方勿圆”、“宁拙勿巧”、“宁脏勿净”。
要有求实精神,反对任何表现修饰。
(6)注意画面气氛与人物神情的刻画,画面要有动与静、欢快与沉闷、严肃与活泼、粗矿与抒情的变化。
素描的造型因素
(点线面体空间结构明暗调子)
点:
点是素描艺术最基本的造型因素。
点是素描的起点,也是它的终点。
素描一开始就得考虑构图的最高点或最低点,在绘画过程中也不时不刻在寻找点和研究点,如关节点、转折点、中心点……可以说素描处处离不开点。
如方位、体块的一个点至另一个点,对称或相应的骨点,如三角形它就有三个点,立方体有至少八个点。
点的概念在素描中不仅有长短、宽窄、厚度的形象特征,而且更有丰富的变化“色彩”。
点可以小成针眼,可大到几乎充满画面。
点有圆形、方形、三角形、多边形、扁形或长形。
还有轻重、浓淡、虚实之分。
点的运用是丰富的,力量是无穷的。
单独一个点能塑造出一个完整的艺术形象。
如一幅画中的一只眼睛、一个头、一个身子等,无不用点来概括。
用点来集合成线,能表现虚处的轮廓,或体现结构的位置。
线:
线在自然形态中是不存在的,它是从客观中抽象出来的“意象”。
对象上所感觉的线只是一种幻觉,或只是形体的边界。
线在画面上出现,虽是虚构的,却具有造型上的象征意味,也更带有艺术的创造性。
线条是最古老的绘画语言,自古以来,人们一直沿用线条作为素描的造型手段,在造型发展到高级阶段的信天,人们更是紧紧抓住这一手段不放。
线的艺术是素描艺术的最高追求,人类不仅在远古时期中的素描离不开线条,而且在人们发育早期的儿童画中也首先是线条。
人们不仅会象安格尔、达·
芬奇那样毕生地从事线的艺术造型,也会象毕加索、马蒂斯那样从明暗造型中回归到线的造型之中。
在明暗素描中没有单独的线,仅有组成面或体块的线集合群。
也就是说,对象根本自身没有线,只有体,只有块面组成的体。
明暗素描中的线,只能被看成描绘对象过程中的辅助手段,或起对体面的加强作用,一但素描完成,线也就基本消失了。
轮廓线实际上是面的一部分或是面的透视缩影,形的大小、色调、空间位置变化,决定着轮廓线的窄宽、轻重、虚实变化。
线描是真正用线说话的艺术。
在线艺术中外轮线模拟形体大关系,内轮廓线则模拟各局部的结构体面关系,线的组织与分割抓住了对象的比例,动势和形体特征。
提示出对象的体积和空间,表达了对象的体面衔接关系,以线的浓淡和疏密显示出来对象的明暗色调对比,以线的方圆、刚柔对比表现出不同的质量感,以线的快慢、张驰交替传达出运动节奏,以线的起伏与韵律揭示出形象的生命脉搏……线描中的线,不是一根平淡的线、苍白的线,也不是形体的躯壳或铁丝框,而是一条丰富多彩、生动有力的、富有内在表现的线。
线是艺术家创造出来的。
面:
(面的理解和认识)
面是在对象上看得见摸得着的东西,又是不可能独立存在的,它是依附于体的一部分。
在明暗素描过程中,运用“块面”塑造分解出来的面是假设的,但不是抽象的。
在认识对象、分解对象的块面、塑造体面时,必须弄清面的大小、面的边线、而的形态、面的倾斜、面所处的空间位置、面的色调、面与面的关系、面与整体联系。
只有这样,下笔才有依据,造型才能严谨、结实、有力。
分块面是塑造对象的手段,用块面塑造成完整的体是前提、质感、量感、神情的刻画则是在这基础上更进一步的表达形象灵魂的精微。
体:
体是一切物质存在的最基本形式。
任何物体都占有三度空间,即长、宽和深度。
这是体的基本特征。
绘画就是在两度平面上把三度空间的物体表现得突出,有体积感,这是绘画艺术的难点,也是区别于其他造型艺术的特征。
体是物体结构的基本内容,实体是不变的,它反映出物体的真实面貌,物体所呈现的形体是随光线的面者视点的变化而变化的。
体是在对象中真实的实体,在画面上却是虚构的形象,是采用点、线、面、体在素描过程中也有着相互联系、互相依赖、互相制约的内在关系,当观察对象时,首先看到的是体,再是面,接着是线,最后才是点。
当然,由点进展到体,在过程中的点线面无时不在互相交替进行,既同时看到体也都在画体。
空间:
绘画就是创造一种“幻觉空间”,使人产生一种如临其境的视觉效果,从而显示出艺术感染力。
结构:
结构是指物体的内部构造,包括构造的诸形及其组合方式。
即由哪些部分组成,它们各自的形体特征怎样,以及如何连成一个整体。
结构同调子的原理一样,局部的结构从属于大体结构。
同一物体的结构包括形体结构、物质结构、空间结构。
结构是理解真实形体的基本出发点。
形体外貌可变,而结构不能变,如每人的鼻子结构相同,但外形差异很大;
因光照不同外貌也会变化,因此仅模外形会歪曲形象,抓住结构的特征才能获得真实的表现。
明暗:
是指物体受光照射所呈现的光影变化。
素描表现出明暗才能获得物体的立体效果。
明暗是调子素描造型的主要手段。
线描或结构素描虽不直接表现光影效果,也不同程度借助于明暗进行辅助造型。
所以说明暗是素描造型的主要表现内容之一。
素描形体中常见的毛病有:
歪:
形不准、体松垮、重心失稳及构图偏倚。
死板:
(也称“板”)死扣轮廓,用笔拘谨,明暗极差太弱造成幅面灰暗,用线无轻重主次,造型不生动。
肿:
比例失调、夸张过度、骨肉颠倒、起伏反向。
碎:
主次不分、细节过跳、小对比冲淡大对比、主体形象不能一眼就俘。
刻画繁琐、花花斑斑、不擅概括。
糊:
色调无限止加深、近手处处皆黑、皆灰,或下笔轻率,盲目涂擦,以致脏腻不堪。
下笔犹豫游离,切形不肯定,结构色调模糊不清。
头像素描绘画过程
二OO七级美术学本科班素描教学笔记
(1)准备工具
头像素描一般常用的工具有:
铅笔、炭笔、炭精条、木炭、铅笔、粉笔等。
纸、选用素描纸或不是太光的白卡纸即可。
大学初级教学的学生一般用铅笔为好铅笔从2H到8B具有软硬多种型号,有很强的表现力。
起搞或画物体暗部用软铅,往后深入可渐渐转为硬铅。
橡皮尽量少用,以免损坏纸质影响深入刻画。
(2)观察
观察即对所画对象进行研究、分析,即感觉的刻画或深刻化。
在动笔之前,要对全画面有一个初步设想,并以此来引导画面的进行。
要注意对象的整体印象,抓住对象的第一感觉。
(3)起稿
起稿首先应当根据画纸的大小,确定头像的大小,留出颈与肩的位置。
头画得太大,易造成构图太满;
头画得太小,画面会显得空洞。
一般重心偏上些为好。
(4)深入刻画
深入刻画阶段是通过对细节的具体描绘使形体逐渐
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- 素描 人物 教案