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中国美术史心得知识交流
中国美术史心得
中华民族美术过去之灿烂
傅抱石
近时外国人对于中华民族性的批评,总是离不了说中国是"自尊"、"自大"的民族。
殊不知中国人的"自尊"和"自大",是有原因的,是有道理的。
在某种程度上,我们还必须保守着这种"自尊"、"自大"的好国民性。
今日的中国,尤其有急切的需要和重大的意义。
单论美术这一项,其发达之古,创造之精,莫说东方,就是世界上也难寻其匹。
日本还在请中国人办外交主政事的时候,我们已把西域的美术精华吃下肚子。
吐出以后的唐宋光辉之花。
埃及是最古不过的了,然而把那粗笨的刻画,和我们三代的玉器铜器比上一比,若根据他的遗物,他就发展到与三代同一时期也办不到的。
"铜器时代",哪一民族拿得出如此雄壮伟大神妙不可言状的宝贝?
虽一二遗留,它的价值,除供考古学者的摩娑研究,物器本身,已没有什么,然中华民族在世界美术史上有了最伟大最先进的创造是无疑的。
虽然有许多学者,硬说我们古代那批宝贝,某种是间接学自波斯的,某种又是直接从印度偷来的,总而言之,说我们中国人是没有多大用的东西,然而这无非是因为我们的宝贝太高贵,把他们吓得没有什么可说。
眼见中国如何贫弱,所以他们还要这样说:
"中国何德何能?
龟甲铜器,《春秋》三传,完全是伪造,你汉人尚能做什么呢"
虽然,他们尽管侮辱,若是有人送他们一个同治年的瓷器,或是乾隆年的雕漆,保证他脑筋中起不可思议的作用,佩服得五体投地。
难道这又是从英吉利法兰西偷来的么?
展开东方艺术系统图来看一看,所谓"古代系"、"希腊系"、"印度系"、"中国系"的四大系中,实际上只中国与印度的二大系。
假使中华民族不负起吸收、融化和创造的责任,到现在朝鲜有美术么?
日本有美术么?
"印度系"又走得几步路呢?
关于这些理论,姑且不论。
总之我们就是说:
中华民族曾经包办东亚的美术,是东亚美术名正言顺的不祧之祖,也不为过。
我中华民族特别的长处,是不但能够闻一知十,而且是只要和别的民族文化见见面,就会造出比人家更好的文化。
一般美术史学者,他们把中国自三国至五代(约西纪二○○--一○○○年)的一个时期,定为"佛教艺术时代"(德人Hirth氏)或是"古典时代"(英人Bushell氏)或是"西域艺术攫取时代"(日人伊东忠太氏),述说当时以后的美术,完全没有独自的发展,而决定中国的中世美术史。
我可以举一个极简单的例,来证明这种述说的不确。
诚然,中国的美术,受了不少印度的影响。
但是要明白,这些影响,到了六朝初期,早被中华民族聪明的脑袋将它化得干净。
譬如说,张墨顾恺之的《维摩变相图》,陆探微载安道的《无量寿佛》则学印度的么?
印度有没有?
云岗龙门巩县等佛窟两足交叉的弥勒像,又是学印度的么?
印度的弥勒像,是否两双脚交叉还是并垂呢?
像这种例,举不胜举,一二学者,觉得中国人太不可方物,于是拼命从佛教经典内,拖出中国佛教艺术的前身来。
似乎带哭带骂地说:
"中国真聪明!
印度没有的东西也会造!
你看呵!
菩萨头背后那道圆光,印度又那里有呢?
"我们并不否认人家如此地讥评,这正是我们所欣慰的事。
美术是什么?
佛教美术又是什么?
朝鲜日本的古美术,都是中国美术的儿孙,然不能说朝鲜日本便没有它自己的美术。
这一切,都是中华民族在美术上特殊的伟大的表现!
是世界美术史上最光荣灿烂的一页!
只是创造,创造得不高明是不行的;只是吸收,吞进去受不住也是不行的。
中华民族,有无量成绩做本身最高度文化的证明。
纪元前一千年的工世,能作出就是现在五千年后也还是奉为标准的"形式"和"纹样"。
葡萄花纹,就说是外国货,然"云纹"、"雷纹"、"蟠纹"、"饕餮纹"总是本号自造!
并且形体周备,意匠完美,会在砖瓦头上刻字描画!
会将一双雀子,站在乌龟背脊上做灯盏!
檐会飞!
柱会雕!
凡是与生活有关系的器物,哪一样不施以美的设计?
秦始皇为防胡人而筑的万里长城,其雄伟盖世的气慨,又谁不咋舌吃惊?
绘画较工艺发达稍迟一点。
古书上,舜皇帝的妹子,以及"苍颉作书,史皇作画"等等传说,姑不信它。
在今日可得见的古代绘画作品,汉朝的已有很多了。
孝堂山武梁祠的石刻画,固然不是二十世纪图案最发达的欧洲画家可以"便化"得出来,就是一块汉画像砖上的人物,也够使现代东西方的人物画家惊异。
藏在英国大英博物馆橱内的东晋顾恺之《女史箴图》,那画上的人物,态度优美而庄重,线条遒劲,布置闲雅,第四世纪的东西,我们不知道那时候欧洲的人物画如何?
再说唐代的阎立本,它的驰名世界的《历代帝王像》,听说尚有十三张在福建林氏家中(一说梁鸿志君所)。
这稀世的宝物,它的唐代初期绘画的黄金时代,充分表示无遗。
日本帝室御物有一张《圣德太子像》,中间画圣德太子,左右画山背大兄王和殖栗王。
这张画,他们的确经过许多人研究,据旧法隆隆寺《寺传》上说,是百济国阿佐太子到日本画的。
许多人不以为然,说《圣德太子像》的服制全是"本邦的古仪"!
但是除此以外,可没有第二张和这画逼肖的作品。
是天上掉下来的么?
实事求是的先生们,不得不怀疑了,不得不恭维阎立本的《历代帝王像》了。
因为阎立本的《历代帝王像》,也是中间画皇帝,两边画侍臣侍女的。
于是《圣德太子像》的本源(布置或笔法),便牵在阎立本的《历代帝王像》上。
经晚唐五代而至宋徽宗的花鸟,即今日还原色印在日本寻常小学生的画帖上。
不过不说是中国的,但说"距现在有八百多年一个叫做宗的皇帝"而已。
绘画到了徽宗时期,无论花鸟,山水,一切部门,都有杰出的大家,彪炳史乘!
南渡后,刚刚一百二十年,霹雳一声,蒙古人打定了天下,可怜当时那班画家们,忍着精神上的痛夺,拼命向笔墨间抒其抑郁之孤愤幽绪!
黄公望,他叫出"寄乐于画"的口号,以刺激那些利欲熏心的分子。
倪云林也曾说过"余之画,不过草草,聊写胸中之逸气耳"!
这种艺人的本色,也是当代社会的反面。
我们看倪云林的山水,存着一种什么样的境界!
元四大家中,王蒙为了母舅的关系,做过一下泰安知州,在画史上,虽然他的挥洒高妙,有时也逃不了峻刻批评。
至明代则文沈唐仇是适合当时代的产物,谨严之中,复邃幽趣。
至于清初的八大山人与苦瓜和尚,他们的行径和笔墨,又岂独在一山一水一花一鸟之间?
尤其石涛的诗,"梅花"、"遗民"可说是常常应用。
我们在三百年之后,应不应该向这些民族艺人表示诚恳的敬意?
雕刻的遗迹,随便说吧,如云岗巩县天龙山等多数的佛窟,真不知接受了几何人的瞻仰和崇拜。
东方固是第一大艺术,西方也未见得有出其右者。
我们要知道,这成千成万的石佛,都是先民一刀一刀,一尊一尊,累月经年所造成,若说是没有伟大力量的民族办得到,那现在也不让云岗独霸一部东方雕刻史了。
这无量数的遗宝,都是中华民族精神的寄托。
唯有这些遗宝,中华民族在世界美术上始值得自豪,值得人家不远万里费长久时间,来研究我们一张纸或是一块石头。
然则中国美术在世界上的地位如何呢?
这可分做两方面说:
一方面,以异民族的关系,突然接触"形式"、"色彩"与自己绝对不同的美术品,自然产生一种奇异。
或者本来存有某种用意(如对于工艺品),因之有些人,拼命地研究。
这些人,是把中国美术推崇得真比天还要高不可攀。
一方面,就美术品的评价上,中国美术品,大至开山打洞,小至一把扇子、一个酒杯,都具有不可形容的独特境界。
这种境界,是中华民族的境界,是东方的境界,也即是世界两种境界之一的境界。
因此,与欧洲美术,显然划清了路线,而此辔齐奔。
他们的绘画,是"色彩"和"面"的结合;中国的绘画是"线条"和"点"的交响乐。
过惯了都市文明的他们,现在也需要枯淡清冲的刺激,在绘画上,已有相当的证明。
不过以欣赏的趣味或能力如何,所以有的欢喜唐宋的谨严,有的欢喜元人的淡逸。
他们的雕刻,是不穿衣服的多;中国的雕刻,则多穿衣服。
人体的曲线固属美妙,而衣服飘举,隐约如见,又何尝不美?
他们的材料,多用金属,用石头;中国的材料,多用木,用泥,用麻,用漆,这是种种环境造成的分歧当不因此显其轩轾。
中国的美术,无论建筑、雕刻、绘画、工艺,创作上固各有伟大的贡献,理论上更是发世界所未发。
东晋有顾恺之的《论画》,南齐的谢赫的《六法论》。
当第四五世纪,即有如此完善的绘画理论,可说是惊人的成功。
如顾恺之说的:
"凡画人最难次山水,次狗马,台榭一完器耳,难成而易好,不待迁想妙得也。
"王微说:
"目有所极,故所见不周;于是乎以一管之笔,拟太虚之体;以判躯之状,画寸眸之明"是何等的透彻合理呵!
本来美术不像科学,不一定读熟了理论才去制作,也不一定有理论便有作品。
但是世界美术史家们,常常贬人而誉已。
我以为这些精湛的论著,是值得特笔大书,任他们存着怎样的偏见,也绝不能稍稍摇动。
在另一种情形之下,"中国美术"这个名词,稍稍费解。
它的含义,似乎加了一层限制。
欧美人所谓"中国美术",至多包括到嘉道以前。
那时候,足迹到过中国的还不多,仅仅从一些布教师或商人的手中,得受中国美术的洗礼。
日本人就根本不说出"中国美术"四个字。
虽然是一本一本图谱或论著,自序文至版权页都是中国的美术品或研究,但总名之曰"东洋",或名为"支那古代美术",置于印度朝鲜之间。
我们自己对于这种现象,应该明白西洋人与日本人的中国美术观,在可能内,他们是以不提起为妙的。
此中道理,非常简单。
那种中国美术在世界上,不是被人轻视么?
当然!
在现在民族竞争的时代,谁肯对我们中国人说出半个好字?
事实上,我们早知道有若干的"中国通",在贩卖中国的美术,在靠谈谈中国美术吃饭!
更说具体一点,中国美术实在好得使一切不愿谈的人而又不得不谈,更不得不把中国美术似通非通地来利用。
美国大来公司邮船上所印的旅客单,也装饰了中国六朝的佛像,江西不值钱的樟木箱子,到了支加哥会变成无上的美术品。
日本不必论,著是不相当研究过中国美术,想做美术家是很困难的事。
近年上田恭辅氏的《支那美术工艺骨董图说》,翻开封面便是"震惊世界的支那工艺美术"十一个大字。
这点,也可见中华民族美术在世界的力量和地位了。
中华民族美术的进展,恰像一条弯弯曲曲的线,这条线,随美术的部门而曲折不同,同时随民族意识的强弱而曲折不同。
我们要推究它曲折的痕迹,推究何以盛何以衰的原因,做今后民族美术建设的参考。
美术是一面社会的镜子,它的发生,成长,或是灭亡,都有它背后的一切做主人,使它不得不顺着而同一步骤,同一进退。
前面说过,中国美术发达最早的是工艺,如玉器、铜器等,在三代已有精致的作品。
因为朝廷设了玉府,召了许多琢玉的人从事研究制作,铜器也定有制度,形式大小等等,都有一定的标准。
在这统一的机构指导之下,所以呈露当时代工艺极盛的时期。
以后秦汉承继三代有组织的宏规,遂蔚成中华民族独立的伟大的美丽轮廓,造型的样式上,也愈见复杂,一一合于生活的需要了。
绘画也可以用此种在统一下始得发展的方式来证明它的盛衰。
绘画上黄金时代的唐宋,在唐有玄宗的好艺,育成吴道子李思训阎氏兄弟(立德立本)许多凌铄古今的大画家,山水画之勃兴,佛像画之转变,这不都是玄宗的功劳么?
宋代更是值得我们崇仰,徽宗皇帝,他不但扩充翰林图画院的机构,并且高等官吏都要考一考绘画,当时的文臣武臣,有几个不能伸纸挥洒的呢?
基于这种原因,一直到南宋中期的绘画,人材之多,发达之速,元明清固然不能及,即两晋六朝又哪能相提并论?
其次雕刻,隋唐佛教造像之盛,梁武帝的优崇佛寺,是我们不能忘记的。
至于最近的清代康雍乾三朝,不是朝廷的奖进,那中国美术史可以划明代为最后的一个阶段。
现在我们所资为最丰富最可靠的美术参考资料,大部分是这三朝的成绩。
现在我们足以相信,相信中华民族美术的建设,是在先负起时代的使命,而后始有美术的可言;是在造成统一的倾向,而后始有"广大"、"庄重"、"永远"的收获。
我们过去的痕迹,很明白地呈在眼前,古人说:
"前事不忘,后事之师。
"今日的中国美术,时代的使命是什么?
统一的倾向是怎样?
前者可以把近几十年的美术看一看,自然可以发觉我们应该走的大道,后者就是审度目前的缓急,决定这些大道,走哪一条?
如何走法?
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回答时间:
2007-1-919:
51|我来评论
中国的美术,无论建筑、雕刻、绘画、工艺,创作上固各有伟大的贡献,理论上更是发世界所未发。
东晋有顾恺之的《论画》,南齐的谢赫的《六法论》。
我国古代绘画史上,第一批有确实的历史记载,以绘画的才能享有声誉的画家,出现在魏晋之际。
他们不复是传说故事中的画家,也不再是文人而兼有画名。
他们是东吴的曹不兴,西晋的张墨和卫协。
这一批画家的出现标志着绘画艺术发展进入新的阶段。
曹不兴在东吴享有很高的声誉。
据说他能在长五十尺的绢上画一像,须臾即成,而头身四肢比例都没有差错。
虽然他的作品无存,但从这些传说中也可以窥见他的才能。
曹不兴画的佛像,根据中亚(萨玛堪)僧人康僧会传入的为稿本。
他曾利用在屏风上误落的墨迹绘成一蝇,而引起孙权误为真蝇,用手去弹,于是传为美谈。
而曹不兴更以画龙出名,唐代还保存着他画龙的真迹。
但曹不兴的作品主要的是人物画,尤其是佛教的画像。
曹不兴在过去被认为是最早的知名佛像画家。
卫协、张墨在当时有“画圣”之称。
卫协的声誉尤高,为顾恺之和其他南朝画家及评论家一再赞扬。
谢赫甚至认为卫协有划时代的意义,“古画皆略,至协始精。
六法颇为兼善。
虽不该备形似,而妙有气韵。
凌跨群雄,旷代绝笔”。
但是他们的作品在唐代已经很罕见。
就记载中的作品题目可见,大多数是历史故事画和若干佛教画。
这一时期留下的善画者的名字,还有东晋明帝司马绍、荀勗、史道硕、王廙、谢赫等。
他们作品的题材,一部分明显地是因袭汉代美术的,如荆轲、西王母、穆天子、诗经、列女等。
一部分是汉代题材的扩大,如:
洛神赋图、金谷园图、三都赋图等。
大多是历史传说和风俗的题材。
但也有一部分是名士像和神仙像,这反映了当时道教思想的流行。
二、秦
秦王朝对政治、经济、文化等领域进行了一系列的变革,在全国兴办官学,形成了以官学为主,以私学为辅的局面,强化了教育服务政权的职能。
并在建筑、雕塑、绘画等方面取得了辉煌的成就,现存的秦兵马俑就足以说明秦王朝时期的美术发展在受教育规模、美术水平等方面已取得重大突破。
三、汉
汉武帝推行了一套学校制度,它把官学(太学、郡国学)和私学结合在一起,还建立了专门研习文学艺术的学院——鸿都门学(因学校设在洛阳而得名)。
这里正式开设了“字画”这一课程,它是我国最早的专科大学,也是世界上最早出现的文艺专门学院。
汉代的美术发展仍是师傅带徒弟的师徒、父子方式传授绘画技能。
当时的美术主要功能是思想教育和道德教育,美术发展主要为统治者培养从事为政治服务的工作者。
四、魏晋南北朝至隋唐的美术发展(封建社会的鼎盛期)
魏晋南北朝时期的美术继承和发扬了汉代绘画艺术,出现了丰富多彩的面貌。
此时在中国的历史是出现了第一批有明确记载的画家,如:
曹不兴、卫协、顾恺之、陆探微、张僧繇等,但当时的美术传授,还是沿袭了师徒、父子式的传授形式,有明显的师承关系,如:
卫协师曹不兴,顾恺之师卫协,陆探微师顾恺之。
此时美术发展的功能仍是思想教育和道德教育,可喜的是这时人们已经认识到了美术的欣赏功能,认为山水画使人感到精神上的愉快,是其它文学艺术作品无法比拟的。
隋唐时期是我国封建社会的鼎盛时期,政治、经济、文化空前繁荣,美术发展也有了重大发展。
宫廷绘画日益兴盛,唐明皇创置了我国最早的翰林院,并广招艺术人才奉于宫廷,授予官职,同时也集中了一些画家,形成了一支强大的宫廷绘画力量,虽无画院之名已具画院之实,奠定了出现画院的基础。
此时的绘画技能技巧的传授仍是靠师承关系,但因绘画分科的细化,出现了大量专长一科的画家,并提出了绘画应向自然学习,积累素材,才能造化在手。
这一主张的提出为师徒、父子师承的美术发展注入了新鲜的血液。
这一时期的美术关注到了美术欣赏的意义,打破了单纯追求美术的思想教育和道德教育功能,开辟了美术的欣赏功能;在美术发展中提出了“师法自然”的艺术主张,使师承学习不再是唯一的方式,成为这种美术发展方式的有益补充,“自然”成为了“师”外之“师”,为关注人的自身感受提供了契机。
五、五代至两宋的美术发展
五代时期,绘画继续向前发展,蜀地绘画空前兴盛,后主孟昶创立了翰林图画院,我国历史上的画院正式诞生了。
画院除为皇帝绘制各种图画外,还承担皇家藏画的鉴定和整理及绘画生徒的培养。
美术发展的形式主要采用临摹的方法,选择优秀的临本进行临摹,教师教学也是选择好的临本或自行绘制临本供学生学习。
具说黄筌的《写生珍禽图卷》就是专为其子习画所绘。
自北宋开始,宫廷画院承担了美术创作与人才培养的两种功能。
宋微宗崇宁三年(1104年)设立画学,这是中国历史是第一个皇家美术学院。
其录用考试的标准发展了“师法自然”艺术主张,既要求状物绘形的严格写实技巧,又强调立意构思,多摘取诗句为题目。
画学的学科分为专业课和共同课,专业课有:
道释、人物、山水、鸟兽、花竹、屋木等六门;共同课有:
“说文”、“尔雅”、“方言”、“释名”等,此外设问答(绘画理论)。
可见此时的美术发展不仅关注绘画的技能技巧,也关注到了绘画理论,更关注画家自身的文化修养。
南宋偏安江南,集中了北宋画家,恢复翰林图画院,又一次掀起了宫廷绘画的高潮。
同时,辽金为政法需要也设立了画院,培养自己的美术人才。
五代、两宋是古代画院正式形成和发展时期,画院体制逐渐完善,规模不断扩大。
这与五代、两宋的统治者充分认识到美术与美术发展重要的政治作用,大力的支持和推动美术与美术发展的发展是分不开的。
六、元代至清末的美术发展
元代的美术发展带有明显的民族歧视,但程朱理学被统治者确立为正统的思想。
由于元代的政治与文化的高压统治,绘画创作的内容多从反映社会生活的人物画转向了描写自然美的山水画、花鸟画。
,强调了美术的欣赏功能、娱乐功能、宣泄功能,绘画朝着强调自我表现,写主观感受的方向发展。
。
清对宫廷绘画设有专门的场所。
美术为统治者服务的思想教育与道德教育功能成为宫廷美术创作的出发点,涌现了大量描绘帝王、后妃、宫廷生活等为帝王歌功颂德的美术作品。
外国传教士加入宫廷画家的队伍成为这一时期的重要变化,他们擅长以西洋油画或中西结合的形式表现宫廷生活,开创了西洋美术发展的先河。
明清时期还有一支庞大的画工队伍,以绘画为终身职业的绘画工人,也称丹青师傅。
这些人文化程度不高甚至没有文化。
但他们在工场或作坊中做学徒,在实践中学习,成为宫廷画工或民间画工。
他们也为美术发展和美术发展做出了卓越的贡献。
明清时期,出现了以版画的形式复制名家名作的形式,也就是画谱。
画谱的出现为美术欣赏、美术交流、美术平民化提供了平台,也为临摹教学提供了更广泛的范本教材,推动了美术创作和美术发展的发展。
其中以清康熙十八年(1679年),浙江画家王概根据李流芳的课徒画稿整理、增编而成的《芥子园画传》影响最大。
画谱成为从摹习古法掌握前人经验与程序入手的绘画教科书,画谱影响了自画谱产生后的大批画家。
个人感触
使我们对对人与社会地发展有更清醒的认识,从而思考当今文化艺术的弊病和出路。
另外,美术史上关于真和美的互相替换,用中国文化来说是出世和入世的思考,可以对我们的艺术态度和自身性格加以规正和解读,
美术史在美术学中的地位
1美术史与美学的关系
2美术史与美术理论、美术评论的关系
中国美术发展史的基本特点
源远流长历史悠久。
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给我留下的宝贵遗产
多民族性多区域性
发展的。
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不平衡
强大的纳构力合长久的稳定性
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