1、人教新课标高中美术必修二绘画艺术教学设计第四讲 绘画艺术第一节绘画概述一、绘画的概念绘画是运用点、线、色彩、明暗、透视、构图等艺术手段，在平面上创造图像，反映现实和表达审美感受、思想情感的艺术。二、绘画的种类按不同的分类方法，我们可以把绘画分为不同的种类。1、按使用的工具和材料的不同，绘画分为：中国画、油画、版画、水彩画、水粉画、素描、丙烯画、镶嵌画、磨漆画、拼贴画等。中国画则习惯按传统分为：人物画、山水画、花鸟画三大画科。2、按描绘的对象的不同，绘画分为：人物画（宗教画、历史画、军事画、肖像画、风俗画、人体画等）、风景画、静物画、动物画等，3、按照绘画的形式和功用的不同，绘画分为：壁画、单幅
2、画、组画、连环画、年画、漫画、宣传画等。三、绘画艺术的特点绘画与美术其它门类的根本区别，是作品的平面性。从欣赏角度，绘画艺术具有以下主要的特点：1、二维空间上创造出三维空间绘画是在二维空间上，依靠明暗和形象结构表现物象的凹凸，造成立体幻象，令观者感到物、象是立体的。并通过物象大小、遮挡关系、透视变化和色彩变化、虚实等手法，造成深远的空间效果。2、再现性绘画描绘的精确性与表现性绘画展现主观世界的多方面性再现性绘画描绘的精确性，可以达到乱真的地步。如有鲑鱼块和柠檬的静物中，可以感受到所画物象形体质感的逼真性。虽然随着不重形似的中国写意画和西方现代绘画的兴起，精确的描绘已不被人们所重视，但商品广告和
3、工业设计、建筑设计的效果图仍然体现着绘画这一特点。与再现性绘画相反，表现性绘画则是着眼于表现主观世界。不仅表现主观心态、思想哲理，还可以描绘幻想、梦境，如错误的镜子。有些表现性绘画排除描绘的技术性，但它必须有感人的艺术魅力。其艺术魅力，在于形式的独创性，手法的新颖性，造型给人视觉冲击的强烈和形式美感。3、绘画所使用的物质材料和工具具有特殊性这主要表现在文学作品虽然也要使用一定的物质材料（如笔、墨水、纸张），但它只是单纯起一种工具的作用，与作品所要塑造的艺术形象并无不可分割的关系。然而，绘画则不同。它所使用的物质材料除起一种工具的作用外，物质材料本身固有的特性，也是创造艺术形象、特别是构成审美价
4、值的重要因素。例如，中国画的笔情墨趣，油画的笔触和丰富的色彩感，木刻的刀法和“木味”等等，不仅与艺术形象有着不可分割的关系，而且它本身也具有审美价值。窗体顶端窗体底端第二节 绘画的基本表现手段一、线条在绘画中，线条的作用体现在，一是对物象轮廓、形体的描绘，一是线条自身的艺术表现。从中国绘画来看，早期(汉魏六朝以前)的线条，主要是为了填色而勾勒出物象的大体轮廓、至于线本身的粗细变化是无关紧要的。六朝至唐末，中国绘画中的线条产生了质的变化。东晋顾恺之画中的线条，虽然主要还是传统的线描形式，但其中已灌注了精神内容，有了相对独立的审美价值。南朝梁张僧繇和唐代吴道子则使传统线描形式的写意功能进一步充分发
5、展，在线条的运用中追求最大限度的表现性，拓展着线条的艺术表现空间。在不断的艺术创作实过程中，中国画中的“线”发展成为线条中最为独特的线的艺术。西方传统绘画尽管强调体、面，但也对线条的审美特性做了探讨，并在绘画中充分发挥其艺术表现作用。尤其在西方现代抽象艺术中，线条具有了独立的艺术表现价值。二、色彩色彩是绘画的重要表现手段。在绘画中，色彩有物象描绘性色彩、主观情感性色彩和抽象表现性色彩等多方面的性质。红、橙、黄、绿、青、蓝、紫，多种色相具有丰富多样的情感意味和象征意味，明度、纯度的变化又给人以微妙细腻的心理感受。从暖色系列看，红色是其典型代表。它色性最暖，亮度较高，最具积极性。它热烈、光明、温暖
6、，象征着喜庆、吉利、真诚。红色还具有英雄主义精神性，有令人鼓舞和催人进取的革命意义。红色又表示健康向上、充满活力。红色穿透力强，视度高，适于作为警惕色。它与血和火联系紧密，又具有激烈、紧急、危险等涵义。黄色的色性暖，亮度高，有光明、辉煌、豪华、高贵的持色。在中国，黄色是皇权的象征，而那些纯度、亮度低的黄色，则显出枯茎、病态之意。凡高之画黄色格外突出，这些黄色既有阳光、大地、生命的意蕴，又闪动出刺目的神经质的情绪。从冷色系列看，蓝色、青色具有代表性。它让人联想到天空、海洋，清澈开阔，高远永恒。青色含有生命之源-空气与水的固有色，具有生命活力、青春朝气。但蓝色、青色毕竟是冷色调，对人的情感来说有消
7、极性，与冷落、凄凉、忧郁、寂寞、孤独等联系紧密。绿色是植物的基本色，是最能体现生命力的色彩。它亮度中性偏暗，色温偏中，有舒适、安全、静谧、和平之感。绿色有减少刺激、消除疲劳、镇静安神的功能。亮度高的浅绿、嫩绿具有鲜活、清新、生动性，饱和度高的翠绿等更具兴旺茂盛、朝气蓬勃的美感。但绿色在亮度、纯度偏低时，也有恐怖、病态、腐坏等消极意蕴。紫色是红与青的混合色，是冷暖强烈对比色的强制性结合，处于矛盾不安的动荡之中，性格双重，情绪不稳，加上纯度浑浊、光度深暗，有阴森、险恶、悲哀等消极意义。但在西方基督教艺术中，紫色被赋予了神圣高贵的象征意义。黑、白属极色。黑色给人以重、暗、退之感。它被视为不幸、死亡、
8、黑暗的象征。但是由于黑色的厚重、沉静，它又象征着权威、尊贵、高雅等。中国道家崇尚黑色。在中国文人水墨写意画中，墨的黑色是唯一的色彩，寄托着超逸的情怀。白色是轻、明、进的极色，亮度、纯度极高。由于高亮度色的反射力强，减弱了太阳的辐射热，白色显得凉爽、明净、清洁。它象征着圣洁、尊严、端庄，有轻盈、柔软、素雅等审美特色。白色也有消极性，有恐怖、悲哀、死亡、不幸等意义。在不同时代、不同画家的绘画作品中，色彩又体现出不同的时代性和个性风尚。三、构图构图是绘画家对绘画形象在画面中的位置关系的安排处理。平衡、比例、对比、调和、节奏、多样统一等是构图的几种审美原则和规律。平衡是左与右、上与下、前与后、中心与周
9、围以及整体中各部分在视觉感受上的均衡稳定关系。比例是整体与局部、局部与局部、整体与环境的大小、宽窄、长短等数量关系。调和是造型形式中相近因素的并列。对比是造型形式不同因素的并列。调和给人以平静、含蓄、闲雅的感觉，对比则有鲜明、醒目、剧烈的效果。节奏是线条、形状、色彩、明暗等因素有秩序、连续性的强弱变化。多样统一是在杂多、差异、变化中达到整体的和谐。四、明暗 明暗包括两个方向的含义，其一是由光的照射产生的明暗关系；其二是由物体固有色产生的轻重关系。前者是绘画依据侧射光现象表现物体立体感、空间感；后者依据正射光现象来表现物体的质感。由于光的侧射、物体在视觉中产生了受光、背光的现象，如果是圆的物体，
10、便产生出高光、灰面、明暗交界线、反光和投影五个调子。如果物体全部处在受光部分，便产生了第二种特殊现象。一般而言，油画、水彩画比较注重第一种现象的表现，中国画、装饰性绘画比较侧重第二种现象的表现。在明暗的表述上，前者为立体表现法，后者为平面表现法。明暗是塑造立体感的主要手段，也是表现质感、量感、空间感和特定情感、审美意境的有效途径。明暗关系的表现，一方面要从物体的结构出发，从外在的明暗现象来理解内在的结构关系。另一方面，在艺术创作中，可利用不同的光线取得特定的明暗效果，从而表现丰富微妙的艺术意蕴。五、笔触笔触是画家在作品中呈现的形状多样的用笔痕迹。笔触语言被画家们认为是绘画区别于照片和其他艺术形
11、式的重要特征之一。它可以帮助画家在艺术创作中增加绘画性，提高处理空间感、体积感与质感和创造艺术风格等的表现力。那种认为“油画要远看”的观点是对油画欣赏的误解。站远了，油画的笔触就模糊了，而物象的轮廓便清晰了。这满足了看物象的要求，但牺牲了笔触的审美效果。笔触是人为的表现方式，现实事物中没有笔触的原型。画家如何在所描绘对象中去创造笔触和利用笔触来进行表达，是画家研究、分析、总结对象表面与深层造型规律的结晶，是客观规律与艺术技法结合的产物。笔触的表现要依据创作意图来运用，一幅动感较强的作品，没有笔触将失色不少，而表现一种平静的画面，则可以相对地把笔触隐藏一些。笔触在绘画中有很多不同的表现样式，它是
12、根据画家的个性和表现对象及主题的需要而形成的。有的笔触长，有的短，有的用点，有的用线，有的呈面状；有的顺结构而行有的则逆结构而行，有的采取渐变的手段，有的用并置的方式有的含色丰富，有的含色单一。每一个画家都有对自身表现技法的追求，把自己的感情倾注在作品的每一笔中，形成自己的绘画风格，使人们只要一看见作品，从笔触的运用就能辨别出是哪位画家的画风。六、肌理绘画肌理主要指画面处理的质地效果。肌理是创造各种画面效果、塑造多种形象的重要手段，也是画家个性风格的体现。对象质感的表现、形式感的表现和空间层次的表现都多少依赖于肌理的处理。不同的画种有不向的肌理表现特性，画家们正是根据特定画种来探索、运用肌理表
13、现手段，取得独特的艺术效果的。从油画来看，画布的选用，底子的处理，颜料的调配，笔法、刀法的运用，展现了肌理的丰富表现力。有的画家选择粗纹亚麻布，有的选用细纹亚麻布。有的将布纹用厚涂的色层全部覆盖，产生平整光滑的肌理，有的则保留布纹的质地，寻求特殊的效果。有的画家还将砂子、锯末、玻璃碴等颗粒状的材料掺入颜料之中作画。用油画刀进行油画的肌理处理是画家们常用的手法。用刀来调配的颜料没有用笔调得那样均匀，用刀涂抹的颜色往往出现厚薄起伏、块面点线变化的丰富效果。法国画家库尔贝常以刀代笔使用浓厚的油画颜料直接在画布上混合涂抹。西方古典油画中，大都采用“透明覆色画法”和“非透明覆色画法”。二者应用肌理的方式
14、和表现出的肌理效果各有不同。透明覆色画法一般不使用白色颜料，只是用调色油将颜料稀释，然后多层地进行渲染与覆盖。非透明覆色画法是先用单色将物体的大致关系画出来，然后用各种物体所呈现的颜色进行多遍地塑造。在肌理的处理上，能做到画面暗部往往比较薄，基本上像水彩画一样透明。西方17世纪油画家鲁本斯，是用这两种画法相结合来进行艺术表现的集大成者，其作品暗部采用透明覆色画法，亮部则采用非透明覆色画法，这样使作品既有空灵的透明感，又有突出的体积感和空间感。第三节 绘画发展的历史绘画是一种古老的艺术门类，可以上溯到原始社会。迄今已发现的最早的绘画作品大约是15000年前旧石器时代晚期西班牙的阿尔塔米拉和法国拉
15、斯科的原始洞窟壁画，在中国、印度、利比亚以及南非等地岩洞中还发现了新石器时代的壁画。原始壁画多绘动物形象和狩猎场景，与当时人类生活有密切关系。 在人类几大文明发祥地最早出现的彩陶，是在陶器坯体上描绘装饰纹样，再经烧制完成的。世界原始彩陶中，以中国仰韶文化和马家窑文化的装饰纹样最为丰富，除几何图形及鱼、鹿、人面形外，还有排列成组的人形纹样，在彩陶中属罕见。人类社会出现阶级和国家后，在宫廷、神殿、寺庙、陵墓等处，普遍都有装饰性壁画，壁画成为古代社会中绘画的主要形式。由于各个国家和民族在社会政治经济和文化传统等方面的差异，世界各国的绘画在艺术形式、表现手段、艺术风格等方面存在着明显的区别。一般认为，
16、从古埃及、波斯、印度和中国等东方文明古国发展起来的东方绘画，与从古希腊、古罗马绘画发展起来的以欧洲为中心的西方绘画，是世界上最重要的两大绘画体系。它们在历史上互有影响，对人类文明做出了各自的重要贡献。一、中国绘画史概述中国画是东方绘画艺术的主流，在世界美术领域中自成体系。无论在艺术内容、形式，还是表现手法上，中国画都有其独到的特点：工笔重彩画与水墨写意画 在多数人的印象中，传统的中国画似乎就是水墨写意画，其实这是一个误会。中国画按照其技法及风格可分为两大类型，即工笔重彩画和水墨写意画。工笔画又称“细笔画”。其绘画风格工整细致，以规整并富有表现力的线条勾画出物象的轮廓，并注重于细部的刻划，然后再
17、敷以厚重、鲜亮的颜色。中国历史上大多数宫廷画家都彩用此种画法，以表现皇家气派。相对于工笔画的就是写意画，又称“粗笔画”。其画风简略，通过尽量简练的笔墨，着重描绘物象的神韵与意态，而并不十分在意所画对象的逼真与形似。画家在画中多采用概括、夸张的手法，运用丰富的联想，最大限度地抒发自己的情绪，张扬不同的个性。因此，写意画作品带有一定的即兴性、随意性和偶然出现的意外效果，较难临仿和描摹。它们几乎都是用水墨完成的，有着素淡、清雅的外观。这类作品在后期中国画坛上占有很大的比例。 从中国画发展的历史来看，早期的(公元12世纪以前)画幅均为工笔重彩画，晚期的作品则多是水墨写意画；再从作者的情形来看，工笔重彩
18、画的作者大都是职业画家或工匠画家，水墨写意画的作者则大多兼有文人的身份。诗、书、画、印的完美结合 传统的中国画离不开诗词、题款、篆刻，是诗、书、画、印相结合的艺术表述。早期中国的许多文字，是根据对象的形状或意义，用简练的线条描绘出来的象形文字。这与使用线条画画相似。中国文字的这一特点，加上书写文字的形式本身带有很强的艺术创造性，因而与绘画有着某种天然的联系，人谓之“书画同源”。中国画家(尤其是文人画家)在作画的过程往往十分自然地将写字的笔法运用到绘画中去；他们在创作中的情感，很多时候以诗句的形式直接题在画面上；并按中国文人的习惯，在画的落款处盖上刻有自己名号的朱砂红印章。强调线条的表现力，强调
19、绘画笔墨的书法情趣，是品评中国画作品格调高下的重要标准。中国绘画非常讲究画家综合的艺术修养，画家在下笔之先，一般已经将题诗的内容、字体及印章在画面中的位置作了通盘的考虑。画中的诗词与图像相辅相成，对画面意境和构图起到了某种补充和平衡的作用；印章的红颜色与黑白的(水墨)图画形成色彩的差异。将诗、书、画、印四个分割的因素融为一体，组成一幅统一的画面，是中国画一个很重要的特色。 人物画、山水画、花鸟画三足鼎立 在中国画中，人物、山水、花鸟是三个最大的科目，也是最常见的题材。它们大致可以和欧洲绘画中的人物、风景、静物相对应。 以人物形象为主体的绘画，是中国古代绘画各科目中出现最早的。大约1500年前的
20、魏晋南北朝时期，人物画的艺术发展逐渐成熟。顾恺之是杰出代表，并以“以形传神”、“形神兼备”而闻名。以描写山川自然景色为主体的绘画称为山水画，是中国画中最重要，也是影响最大的一个科目。它的兴起比人物画要晚得多，大约在唐代趋于成熟，到元代达到鼎盛。纵观中国古代的绘画史，山水画画家在所有画家中所占比例是最大的。 中国画的另一门类，以描写花卉、竹石、鸟兽、虫鱼为主体，其中最常见的是将花、鸟组合在一起，故称之为花鸟画。花鸟画给人一种特殊的观赏情趣，其兴起较山水画为早，起先用于工艺品的纹样上，到唐代开始成为中国画中的一个独立门类。中国古代文人喜好梅、兰、竹、菊，认为它们清雅高贵，表现了文人清高脱俗的气质。
21、因此，梅兰竹菊是花鸟画中常见的题材。最古老的绘画-帛画1949年，在长沙东南郊楚墓中发现了一幅画在白色丝帛上的绘画，后来定名为人物龙凤图帛画，这就是迄今所知的中国最早的绘画作品。在人物龙凤图帛画发现24年以后，在与其相近的一座楚国墓葬中又发现了另一幅帛画。这幅作品被定名为人物御龙图。它与人物龙凤图同一时代，称之为姊妹篇。两幅画的表现方式相近，所不同的是，人物御龙图所画的人和动物都更加写实，比例关系与现实中的人物更接近些。这也反映了在战国时期绘画表现手法已经不止一种，有的比较写实，有的更具有装饰性，而且，都已经达到了相当高的水平。可以说这一时期的绘画大致确立了中国工笔画的基本表现手法。 在纸出现
22、以前，帛画不断地发展。到西汉时期，帛画的画面更加丰富，线条健挺流畅，形象刻画细腻，色彩富丽，表现技法纯熟，帛画达到了高峰。顾恺之和卷轴画在中国绘画史上，魏晋南北朝是一个非常重要的时期。国家长期战乱，南北对峙，朝代频频更迭，使当时的学术思想活跃，促进了艺术的发展。这一时期的石窟壁画、墓室壁画、石刻、砖刻以及漆画等都已蔚然可观，出现了开宗立派的专业画家、书法家。在绘画上，被尊为画祖的顾恺之和他的卷轴画最具有代表性。 顾恺之(344405)原名长康，字虎头，出生于晋陵(江苏无锡)一个官僚家庭。(348-409)提出了人物画应“以形传神”、“形神兼备”的主张，认为画家不仅应当正确地描绘人物的外形，而且
23、要注意刻划人物的精神、气质，即内在的东西。年青时作过官，有机会游览各地的名山大川。他性格诙谐，精通诗文，时人称他“才绝、画绝、痴绝”。 根据记载，顾恺之的作品有七十多件，现在能看到的只有女史箴图、洛神赋图和列女仁智图三幅卷轴画摹本了。它们是迄今所知最早的卷轴画。顾恺之在绘画理论方面也卓有建树，他留下来的论著有论画、画云台山记等。他主张要形神兼备，更重传神。他提出的“传神论”成为中国绘画的基本理论之一。画圣吴道子吴道子的生卒代已不可考，只知道他一生主要活动时期在唐朝开元、天宝年间(713-755)。吴道子出生在阳翟(今河南禹县)，幼年失去双亲，生活贫困，为了生计，向民间画工和雕匠学习，由于他刻苦
24、好学，才华出众，唐玄宗时担任宫廷画师。 吴道子是一个多产的画家，他作品的数量很大。据说寺廊壁画有三百余堵，有记录的卷轴画有一百多件。其中佛教、道教题材为多，还有山水、花鸟、走兽等。可惜今已无存。送子天王图(一称释迦降生图)是宋人对他作品的临摹本。它所表现的是释迦牟尼降生为净饭王子以后，其父净饭王抱他拜谢天神的佛经故事。从中反映了吴道子的基本画风。吴道子打破了长期以来沿袭的顾(恺之)陆(探微)“紧劲联绵，如春蚕吐丝”那种游丝描法，因为游丝描的线条圆润挺健，但如铁线一般而无变化。吴道子开创兰叶描，“行笔磊落，挥霍如莼莱条，圆间折算，方圆凹凸”。他用笔起伏变化，状势雄峻而疏放，表现了内在的精神力量。
25、同时，他敷色比较简淡，甚至不着色。 描绘宫廷女性的高手 唐代是人物画繁盛的时代。唐代中期，先后产生了两位重要的人物画家-张萱和周昉。 张萱是开元年间的画官，擅长画贵族妇女、婴儿、鞍马。宋代宣和画谱记载他的作品就有47件。但作品的真迹并没有流传下来，今天所能见到的是宋徽宗赵佶的摹本虢国夫人游春图和捣练图。周，长安人，主要活动于代宗和德宗时期(763-804)。绘画曾受张萱影响，颇能传神。簪花仕女图、纨扇仕女图、调琴啜茗图都是他的代表性作品。 宋代皇家画院早在五代时期，西蜀和南唐就已经开始设立专门从事绘画的机构画院。画院由国家直接管理，画院画家以“翰林”、“侍诏”的身份享受与文官相近的待遇，并穿戴
26、官服，领取国家发放的“俸禄”。画院要以描绘帝王贵族肖像与生活为主要任务。凡有重大活动，便有画院高手进行描绘记载。公元960年，宋王朝统一中国后，继续设立画院并加以扩大，成立了翰林图画院。原来五代时画院的高手都在宋画院供职。宋代的画院成为全国绘画创作的中心。武宗元、张择端都是当时画院的画师，分别作有朝元仙杖图、清明上河图。元四家与中国山水画 “元四家”，是指元代四个突出的山水画家：黄公望、倪瓒、吴镇和王蒙。他们的山水画代表了中国山水画史上的一个高峰。 山水画是中国画中重要的画科。唐代山水画达到成熟到了宋代，山水画达到鼎盛，宋代山水画的共同特点也像当时的花鸟、人物画一样，强调师法造化，比较写实。“
27、元四家”的作品更注重笔墨技巧，更讲究意境神韵，使山水画的美学价值更加提高。但由于对没落王朝的怀恋意识和情结，也由于文人艺术思潮的影响，他们的作品偏于淡远、萧疏、幽深，从某种意义上说，比较脱离现实。“元四家”的作品对相继的明清山水画发生了巨大的影响。吴门画派自元朝以后，江南苏州一带，成为文人荟萃之地。许多著名画家云集苏州，史料记载，当时苏州有150余人，占明代画家总数的五分之一。他们形成一个强大的画派。苏州史称“吴门”，作为有共同地区特征的画家群形成了吴门画派。吴门画派的领袖沈周同他的学生文征明、唐寅，再加上仇英，合称“吴门四家”。明代隆庆、万历及崇祯时期，是吴门画派最盛的时期。吴门画派虽然因受
28、生活范围的限制，题材面狭窄，立意比较单调，作品的重复性较大，但是，他们重视继承前人的笔墨传统，关注作品中的气韵神采，把对风格的追求作为艺术的重要目的。而且，由于他们具有深厚的文化修养，有各自的美学追求，从而也具有一定的创造性。他们的笔墨技巧和表现手法，以及对意境的创造，对后世有很大影响。唐寅山路松声图轴扬州八怪实际上，当时活跃在扬州画坛上的重要画家并不止八人，约有十六、七人，“八”并非确数。按最早的记载有：金农、黄慎、郑燮、李鳝、李方膺、汪士慎 、高翔和罗聘。所以称他们为怪，是因为他们在作画时不守墨矩，离经叛道，奇奇怪怪，再加上大都个性很强，孤傲清高，行为狂放，所以称之为“八怪”。“扬州八怪“
29、有相近的生活体验和思想情感。他们大多出身于知识阶层，有的终生不仕，有的经过科举从政，一度出任小官，却又先后被黜或辞职，终以卖画为生。他们生活比较清苦，深知官场的腐败，形成了蔑视权贵，行为狂放的性格，借助书画抒发内心的愤懑。 他们的艺术大都取材花鸟，以写意为主要表现方式。他们在创作中重视个性，力求创新，不同程度地突破传统美学规范，带有某些反传统的意义，作品具有较强的主观色彩，令人耳目一新。 现代绘画大师徐悲鸿本世纪初，中国发生了“五四”新文化运动，这是在文化界一场反帝金农梅图轴 反封建的革命。“五四”运动以后，许多画界学子纷纷负笈留洋，向西方学习。徐悲鸿就是在这个时期奔赴欧洲，引进了西方古典写实
30、主义，他融合中西绘画，关注现实生活，并成为中国现实主义美术的先驱。徐悲鸿(1895-1953)，江苏宜兴人，父亲是个小有名气的画家。悲鸿少年时代，随父学画，20岁时，在上海卖画。1918年，他接受蔡元培聘请，任北京大学画法研究会导师，翌年赴巴黎留学，后又转往柏林、比利时研习素描和油画。他非常喜欢欧洲文徐悲鸿 八骏图 艺复兴时期及以后的古典绘画，废寝忘食的悉心临摹。1927年回国后。先后任北平艺术学院院长，南京中央大学艺术系系主任，抗战后任北平艺专校长。解放后，任中央美术学院院长，全国美术工作者协会主席，直至病逝。徐悲鸿吸收西画中重视人体解剖、造型精确的特点，用于对中国画人物形象的刻画。他对西方
31、绘画中的古典主文，浪漫主义、印象主义等流派艺术与中国画有机地融合起来。徐悲鸿一生创作了数千件中国画、油画和素描作品。他画的国画愚公移山、油画田横五百士、奚我后、九方皋等都是以历史或神话故事影射现实的主题性创作。这些作品构思严谨，场面恢宏，人物众多，刻画深入，都比较充分地表现了主题。徐悲鸿的动物，花鸟画作品也往往具有一定积极的含义，甚至表达一定的主题思想，如风雨鸡鸣、骏马图等。这些都反映了作者关注现实、为人生而艺术的艺术观和忧国忧民的情操。徐悲鸿对马的外形和习性有过深入的研究，他画过千余幅马的速写。他能利用西方画法和中国画笔墨表现写实的马，在他的笔下，创作出了具有鲜明艺术个性的马的形象。人民艺术
32、家齐白石齐白石是跨越两世纪活到将近百岁的大画家，他是继清末民初海派画家之后把传统中国画推上一个新高峰的绘画大师。齐白石(1864-1957)，湖南湘潭人，原名阿芝，后改齐璜。齐白石家境贫困，他偶然得到一木芥子园画谱，便反复临摹，学会了一些基本画法。齐白石27岁时，拜乡绅胡沁园为师学习绘画，加之他刻苦，长进很快。从一个雕花木匠，发展为民间 齐白石 蜻蜓 画师，进而成为有文化修养的艺术家。60岁后定居北京，接受画友陈师曾的劝告，由工笔和小写意转向大写意，开始了“衰年变法”，终于自成一体。在他90岁时，文化部授予他“人民艺术家”的光荣称号，后又被选为中国美术家协会主席。1956年，世界和平理事会授予他和平奖金。逝世后，被列为世界文化名人。 齐白石的写意花鸟画上承徐渭、朱耷、扬州八怪以及吴昌硕，具有深厚的传统文化功力。他的画中流露出农民的质朴、孩子般的天真，真诚的爱和恨，远远地打破了
